Wilson Simonal: documentário sobre o cantor já está disponível em DVD

O ano Simonal está oficialmente completo. Depois do relançamento de vários discos, da biografia em livro e de algumas homenagens musicais como o "Baile do Simonal" (ver texto abaixo), o fascinante documentário “Simonal: Ninguém Sabe o Duro que Dei” já pode ser visto em DVD (edição Biscoito Fino) por qualquer um que queira conhecer a dramática história de um dos maiores ídolos da música popular brasileira.

Os diretores Claudio Manoel, Micael Langer e Calvito Leal não escondem a admiração pelo carismático Simonal, expressa em saborosas cenas de shows, programas de TV e entrevistas, mas também não fogem da missão de tentar desvendar os motivos de seu polêmico enterro artístico, na década de 1970, sob a acusação de ter sido informante dos órgãos de repressão do regime militar. O filme não chega a responder todas as perguntas essenciais, mas diverte, emociona e deixa o espectador com a sensação de que de a música brasileira perdeu muito sem o brilho e o suingue de Simonal.

(resenha publicada no "Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes", em 18/12/2009)

"Baile do Simonal": astros da música brasileira em show dedicado ao cantor

Termina em festa o ano em que o suingue de Wilson Simonal (1938-2000) freqüentou as telas de cinema e conquistou os ouvidos de gerações que ainda o desconheciam. Apresentada por Wilson Simoninha e Max de Castro, seus filhos e herdeiros musicais, uma seleção de intérpretes de diversas praias da música brasileira rendeu homenagens ao grande cantor e showman.

Registrado no DVD O Baile do Simonal (EMI), o encontro aconteceu em agosto último, no palco do Vivo Rio. Os maiores sucessos de Simonal animaram a festa, em saborosos arranjos tocados por uma banda de feras. Seu Jorge abriu a noite cantando “País Tropical”, com o apoio da platéia. Samuel Rosa, do Skank, injeta um solo de guitarra em “Carango”. Marcelo D2 esbanja malandragem em “Nem Vem Que Não Tem”. Mart’nália derrama seus tatibitates em “Mamãe Passou Açucar em Mim”. Fernanda Abreu cai no samba, em “A Tonga da Mironga do Kabuletê”. Maria Rita relê “Que Maravilha”, grande sucesso de Jorge Ben. Os Paralamas pilotam “Mustang Cor de Sangue” com a habitual energia. 

Já Sandra de Sá mostra toda sua bossa, em “Balanço Zona Sul”. Caetano Veloso relembra “Remelexo”, uma doce e antiga canção de sua autoria. E o baile inclui ainda aparições de Frejat, Diogo Nogueira, Rogério Flausino, Péricles & Thiaguinho, Alexandre Pires, Ed Motta e Orquestra Imperial. Uma noite festiva para lembrar que Simonal jamais deveria ter sido afastado de nossos ouvidos.

(texto publicado na "Homem Vogue", edição verão 2009)

Roberto Fonseca: pianista representa bem a nova geração musical de Cuba em "Akokan"

Revelação da música cubana, o pianista Roberto Fonseca já chamava atenção anos atrás, quando ainda acompanhava o cantor Ibrahim Ferrer, do veterano grupo Buena Vista Social Club. Em "Akokan" (que significa coração, no idioma iorubá), seu segundo álbum solo (lançamento Biscoito Fino), Fonseca combina temas instrumentais e canções.

Para isso o pianista e compositor conta com dois talentosos cantores da nova geração: a cabo-verdiana Mayra Andrade e o norte-americano Raul Midon, que se destacam na doce "Siete Potencias" e na sensível "Everyone Deserves a Second Chance", respectivamente. Pelo que exibe nesse trabalho, Fonseca deixa a impressão de que o futuro da música cubana está em ótimas mãos.

(texto publicado na "Homem Vogue", edição verão 2009/2010, nº 27)

Hamilton de Holanda e Yamandu Costa: perseguindo a beleza em parceria musical

Nesta entrevista exclusiva, o bandolinista carioca e o violonista gaúcho, talentos da nova geração e velhos amigos, contam porque esperaram uma década para lançar o álbum “Luz da Aurora”, que inaugura essa parceria.

Como surgiu essa associação musical?
Yamandu Costa – A gente se conheceu em 1998, aqui em São Paulo. Já naquela época pensamos em fazer um disco só de valsas, mas isso ficou apenas na pretensão. Cada um seguiu sua carreira de solista e assim rodamos o mundo. Uns dois anos atrás o Hamilton ligou pra mim e disse que estava na hora.

O que vocês têm em comum na música?
Yamandu – Acho que representamos uma nova era. Fazemos parte de uma geração de músicos neo nacionalistas, que respeitam a tradição do choro e da música brasileira, mas ao mesmo tempo são loucos e cheios de informações novas. Carregamos a bandeira da música, não da música instrumental. Inclusive esse é um termo que a gente quer banir. Esse rótulo “instrumental” é uma merda, só existe na América Latina.
Hamilton de Holanda – Também acho que esse rótulo é uma bobagem, chega a ser pejorativo. Quer dizer que a voz não é um instrumento? Nossa música não pensa em atingir um determinado público. Fazemos música para qualquer pessoa, para ser tocada em qualquer lugar, em qualquer país. Hoje já nem pensamos mais que moramos no Brasil. A gente vive no mundo e essa liberdade se reflete de maneira bonita em nossa música.

No CD de vocês há um choro de Ernesto Nazareth, uma parceria inspirada por Pixinguinha e uma homenagem ao violonista Raphael Rabello. Já sentiram algo próximo do que o crítico literário Harold Bloom chama de angústia da influência?
Yamandu – Meu pai era um cara com muita clareza e me falou muito sobre a questão da personalidade. Sempre tive muita personalidade. Claro que eu sinto algo assim em relação ao Raphael ou ao Baden Powell. Essas figuras ainda continuam me rondando, mas isso já não me incomoda mais.
Hamilton – Sou um cara naturalmente influenciável e não vejo problema algum em aceitar isso. Tenho uma personalidade forte, mas também sei reconhecer a importância de outros artistas. Um cara que poderia provocar essa angústia em mim é o Hermeto (Pascoal), mas ninguém é igual a ninguém. Eu me deixo influenciar, mas mesmo que eu toque uma música do Armandinho, que me influenciou muito como bandolista, jamais poderia tocar como ele.

Vocês surgiram na cena musical, já sendo chamados de virtuoses, por tocarem com técnica e agilidade fora do comum. Isso não pode trazer o risco de serem encarados quase como atletas em vez de artistas?
Hamilton – Eu não toco o bandolim de maneira mais rápida ou mais lenta, por achar que assim as pessoas vão gostar mais. O virtuosismo é algo que salta aos olhos das pessoas, uma coisa que parece impressionar as pessoas antes mesmo que elas percebam se a música é bonita ou não. Eu encaro isso com tranqüilidade. Quem vai aos nossos shows sabe que nossa música não tem a intenção de ser rápida ou lenta. O importante é encontrar a beleza.
Yamandu – Dominar um instrumento é muito bom, porque isso permite que você se expresse através dele. Se isso for feito com profundidade, se você souber o que está fazendo, não pesa.

Vocês acham que influências de outras áreas, sejam artísticas ou literárias, podem ser absorvidas pela música?
Yamandu – Totalmente. Aliás, sou apaixonado pela literatura. Fiz meu último trabalho em trio, com o Nicolas Krassic e o Guto Wirti, lendo Érico Veríssimo o tempo todo. E agora estou enlouquecido por aquele moçambicano, o Mia Couto. Ando chorando pelos aviões, lendo os livros dele.

(entrevista publicada parcialmente no "Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes", em 27/11/2009)

 

Yamandu Costa e Hamilton de Holanda: valeu a pena esperar pelo CD "Luz da Aurora"

Gravado ao vivo, no Auditório Ibirapuera (São Paulo), em 2008, o primeiro álbum do bandolinista Hamilton de Holanda com o violonista Yamandu Costa mostra que a maturidade só vem com o tempo e as experiências vividas. Velhos amigos, os dois já poderiam ter gravado um disco na década passada, mas agora podem se dar ao luxo de exibir 10 composições próprias entre as 11 do repertório, que inclui o clássico choro “Escorregando”, de Ernesto Nazareth.

Entre as belezas assinadas pela dupla no CD "Luz da Aurora" (lançamento Eldorado) destacam-se o contagiante “Samba do Véio”, o vertiginoso “Chamamé”, a lírica “Flor da Vida” e a doce valsa que empresta o título ao álbum, além do delicado choro “Cochichado”, inspirado em composição do mestre Pixinguinha. Valeu a pena esperar.

Benjamim Taubkin: projeto Trio + 1 transita entre o jazz e a diversidade rítmica brasileira

Músico inquieto, com uma visão abrangente que não estabelece rupturas entre gerações ou gêneros, o pianista, compositor e produtor paulista Benjamim Taubkin (à direita, na foto) lidera mais um projeto de alto teor criativo. Formado em meados desta década, seu trio com o baterista Sérgio Reze (à esquerda) e o contrabaixista Zeca Assumpção tem se apresentado com o trompetista Joatan Nascimento desde 2008.
 
Já lançado nos EUA, o álbum “Trio + 1” chega ao mercado brasileiro (em edição do selo Nucleo Contemporâneo) com três composições de Taubkin, uma de Nascimento e inventivas releituras do choro “Pérolas” (de Jacob do Bandolim) e do samba “Consolação” (Baden Powell e Vinicius de Moraes). Mais que as autorias, o que conta mesmo é a sintonia fina revelada nos improvisos desse quarteto, que transita entre o jazz e a diversidade rítmica brasileira. Música sensível e contemporânea para viajar com a mente. 

(Resenha publicada no "Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes", em 27/11/2009)

 

Sabrina Starke: cantora radicada na Holanda é revelação do novo soul europeu

Assim como o jazz europeu distancia-se cada vez mais das raízes norte-americanas, a soul music produzida hoje no Velho Continente tem demonstrado personalidade própria. Revelação recente desse gênero, na Holanda, a cantora Sabrina Starke (que nasceu no Suriname) já surge como autora de quase todas as faixas de "Yellow Brick Road" , seu primeiro CD, distribuído no Brasil pela EMI.

O fato de este álbum ter sido lançado originalmente pelo influente selo de jazz Blue Note é puramente mercadológico. Em canções como a otimista “Do For Love”, a dançante “Foolish” ou a quase feminista “Second Class Woman”, Sabrina se mostra bem mais próxima de cantoras da cena pop atual, como India.arie ou Amy Winehouse, do que das grandes divas do jazz. O que não a impede de interpretar com a devida emoção baladas como “My King” e “Yellow Brick Road”. Uma estréia promissora. 

(Resenha publicada no "Guia da Folha - LIvros, Discos e Filmes", em 27/11/2009).
  

Paulo Vanzolini: documentário faz retrato poético do sambista paulista e de sua cidade

Ao dirigir este documentário sobre Paulo Vanzolini, conceituado zoólogo e compositor de clássicos do samba paulista, como “Ronda” e “Praça Clóvis”, o cineasta Ricardo Dias dispensou depoimentos de experts sobre o protagonista. Com um humor ácido, que não perdoa nem a si mesmo, o próprio Vanzolini relembra como compôs suas canções, conta “causos” e expõe opiniões, sem receio de comprometer sua imagem.
“O povo, de cada um, pessoalmente, eu não gosto, mas do povo, em geral, eu gosto muito”, dispara logo ao início do filme "Um Homem de Moral", lançado agora em DVD pela gravadora Biscoito Fino.
Por meio de personagens anônimos que flagrou nas ruas de São Paulo, Dias consegue ilustrar com naturalidade e beleza os enredos das canções de Vanzolini. E assim traça também, como faz esse compositor eventual, um poético e penetrante retrato da metrópole paulista.

(Resenha publicada no Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes, em 27/11/2009) 

Les Paul: DVD narra a história contagiante do pioneiro da guitarra

Lançado nos EUA em 2007, este documentário sobre a vida do guitarrista norte-americano Les Paul (selo Eagle Vision/ST2) chega ao Brasil três meses após sua morte, aos 94 anos. As primeiras cenas chegam a incomodar pelo tom excessivamente laudatório, mas em pouco tempo já nos rendemos à alegria contagiante desse pioneiro da guitarra – responsável por descobertas nas áreas da gravação e dos efeitos eletrônicos, ou mesmo pela construção de uma das primeiras guitarras de corpo sólido.

Recheado de depoimentos de astros da música, como B.B. King, Keith Richards e Tony Bennett, que reverenciam o legado de Paul, o filme relata a ascensão, a queda e a ressurreição artística desse músico, que se apresentou em clubes de jazz nova-iorquinos durante seus últimos 26 anos. Dizia que tocava “por amendoins”, mas se sentia satisfeito ao fazer o público feliz. Uma espécie de músico em extinção.

(Publicada no Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes, em 27/11/2009) 

  

2º Bridgestone Music: shows do festival podem ser vistos no site em versão completa

Se você perdeu (ou quer rever) os shows da segunda edição do Bridgestone Music, realizado em maio último, não deixe de dar uma olhada no site desse festival. A cada mês uma apresentação completa está sendo transmitida em streaming. A atração de novembro é o quarteto da sensacional cantora René Marie, uma das surpresas do evento, que dividiu o palco com o talentoso trompetista Jeremy Pelt.

A atração de dezembro será a So What Band, banda de feras do jazz comandada pelo veterano baterista Jimmy Cobb, que relembra todas as faixas do cultuado álbum "Kind of Blue", de Miles Davis. A programação do Bridgestone Music promete ainda a saborosa banda alemã de soul-jazz Tok Tok Tok (em janeiro) e a cantora de soul Bettye Lavette (em fevereiro), outra grande revelação do festival.

Madeleine Peyroux: primeiro DVD da cantora traz imagens de seus shows nas ruas de Paris

Registrado em janeiro de 2009, num clube de Los Angeles, este DVD com um show de Madeleine Peyroux concentra-se no repertório de “Bare Bones”, seu quarto e recente álbum. Nele, a cantora norte-americana não só se firmou como compositora, como parece enfim ter começado a encontrar sua identidade musical.

No DVD "Somethin' Grand" (lançamento Universal), as conhecidas versões de canções melancólicas de Leonard Cohen (“Dance to the End of the Love”) e Bob Dylan (“You’re Gonna Make Lonesome When You Go”) agora se misturam com composições mais vibrantes, calcadas no soul e no rhythm’n’blues, como “You Can’t Do Me” ou a própria “Bare Bones” (parcerias com o produtor Larry Klein e Walter Becker, da dupla Steely Dan). Além disso, a sombra da forte influência de Billie Holiday, diva do jazz que marcou os primeiros discos de Peyroux, já é bem menor.

Especialmente interessante para os fãs é a inclusão de um documentário que revê a carreira da cantora. Além de destacar flagrantes da época em que Madeleine se apresentou nas ruas e no metrô de Paris, inclui também depoimentos que revelam sua relutância em se adaptar às formalidades e aparências do showbiz.

(Resenha publicada parcialmente no “Guia da Folha – Livros, Discos e Filmes”, em 30/10/2009)

Duofel: violonistas lançam álbum com releituras instrumentais dos Beatles

Nesta entrevista, Luiz Bueno e Fernando Melo, violonistas do Duofel, contam por que resistiram tanto à tentação de gravar um álbum só com releituras instrumentais de canções dos Beatles.

Vocês já tocam releituras de músicas dos Beatles há duas décadas. Por que só decidiram gravar agora esse álbum?

Luiz Bueno – Desde 1988, quando gravamos Beatles pela primeira vez, vários produtores, inclusive fora do Brasil, sugeriram que fizéssemos um disco como esse, mas ainda não nos sentíamos fortes o suficiente para não nos tornarmos escravos dos Beatles. No ano passado, quando o Duofel comemorou 30 anos, organizamos uma pequena enquete com nossos fãs e mais de 80% deles opinaram que deveríamos fazer esse disco. Antes da gravação, fizemos vários shows, onde percebemos que, na platéia, havia muitas pessoas que não conheciam o Duofel. Elas estavam ali para ouvir Beatles com a gente.

Como os Beatles entraram na vida de vocês?

Bueno – Na verdade, nós nos interessamos por música, ainda garotos, justamente por conta dos Beatles. Fernando e eu nos conhecemos num grupo de rock progressivo. Fizemos um caminho diferente da maioria dos instrumentistas, que já começam curtindo jazz. Quando acompanhamos Tetê Espíndola numa turnê pela Europa, em 1988, fomos conhecer a terra dos Beatles. Já naquela época colocamos “Norwegian Wood” em nosso repertório e ela se tornou um dos grandes momentos dos nossos shows.

Que faixas deste CD, em sua opinião, melhor representam a identidade musical do Duofel? 

Fernando Melo – Nós sempre utilizamos afinações diferentes nos nossos violões, mas neste disco fizemos uma nova experiência. Eu era baixista, mas deixei de tocar contrabaixo porque quebrava as unhas e, na hora de tocar violão no Duofel, ficava difícil. Então resolvi descobrir uma afinação que misturasse a sonoridade do contrabaixo com a do violão. Eu já vinha tentando isso há algum tempo, mas só nesse disco achei o espaço certo para usar essa afinação. Isso aconteceu em “Eleanor Rigby”, que abre o CD, e em “A Day in the Life”, a última. Outra faixa que ficou com a nossa cara é “The Fool on the Hill”, porque nela utilizamos instrumentos que não estariam presentes na música dos Beatles, como a viola caipira e o violão tenor. Também usamos o arco de rabeca, que aparece em outras faixas do disco.   

Hoje, quando o futuro da distribuição da música parece estar associado aos downloads na internet, lançar um álbum focado nos Beatles não é ficar na contramão do mercado?

Bueno – Já nos sentimos na contramão outras vezes, mas temos certeza de que o amante da música que fazemos ainda compra discos. Demos um grande passo em nossa vida profissional, cinco anos atrás, quando criamos a Fine Music. Nossa idéia inicial já era bastante contemporânea: não ser apenas uma gravadora, mas também um ponto de distribuição de nossa música. Em nosso site (www.duofel.com), já vendemos nossos discos por download. E assim que a editora das canções dos Beatles nos der permissão, este CD também será vendido por download. Um álbum reúne não só uma colocação musical e artística, mas um pensamento, toda a filosofia que amarra a vida de um músico ou de um compositor. Eu vejo o álbum como uma galeria de quadros que expressa o momento daquela criação do artista.

(entrevista publicada no "Guia da Folha - Livros, Discos e Filmes", em 30/10/2009)

Duofel: recriando sucessos dos Beatles sem perder a identidade

Acostumados a ouvir as saborosas versões de canções dos Beatles que o Duofel exibia com freqüência em seus shows, muitos fãs não entendiam por que os violonistas Luiz Bueno e Fernando Melo resistiam à idéia de gravar um disco com esse repertório. Ao ouvir “Duofel Plays The Beatles” (lançamento Fine Music), dificilmente algum desses fãs ficará decepcionado.

Como se tivesse esperado o tempo certo para que suas idéias amadurecessem, a dupla se superou nas releituras de clássicos do quarteto britânico. Algumas, como as de “Across the Universe” e “Here, There and Everywhere”, são mais reverentes. Outras escancaram a personalidade musical da dupla, caso de “Mr. Moonlight”, que soa como uma caipira moda de viola, sem perder sua essência melódica. Um álbum para beatlemaníaco algum colocar defeito.

(Resenha publicada no “Guia da Folha – Livros, Discos e Filmes”, em 30/10/2009)

  

George Benson: guitarrista e cantor retorna ao lado de alguns figurões do jazz

Os puristas jamais perdoaram o norte-americano George Benson por sua adesão à música pop, depois de se estabelecer como um dos grandes guitarristas do jazz, na década de 1960. Desde então ele tem preferido colocar sua bagagem jazzística a serviço de gêneros mais populares, como o soul e o R&B.

Em “Songs and Stories” (lançamento Concord/Universal), Benson conta com figurões do jazz, como o produtor e baixista Marcus Miller, a cantora Patti Austin ou mesmo o percussionista brasileiro Paulinho da Costa. Os vocais dobrados com a guitarra, sua marca registrada, também estão presentes em releituras de sucessos do pop, como “Someday We’ll All Be Free” (de Donny Hathaway).

Duas delas, “Don’t Let Me Be Lonely Tonight” (de James Taylor) e “Sailing” (Christopher Cross), foram gravadas no Brasil, com Toninho Horta ao violão. Outra boa surpresa é a dançante “Living in High Definition” (de Lamont Dozier), em extenso arranjo orquestral que remete a trilhas sonoras dos anos 1970.

(Resenha publicada no “Guia da Folha – Livros, Discos e Filmes”, em 30/10/2009)


 

Stevie Wonder: versões brasileiras da compilação "Letra & Música" nem sempre convencem

Versões de canções de um mesmo autor nas vozes de diversos intérpretes: esse é o conceito da série Letra & Música (lançamento Coqueiro Verde), que agora dedica um volume a Stevie Wonder. De cara, as 19 faixas sugerem o quanto esse original artista, um dos grandes astros da música negra norte-americana, tem sido cultuado no Brasil desde os anos 70, mas o resultado desta compilação soa como uma colcha de retalhos que nem sempre se sustenta.

Começa com a simpática versão (meio bossa nova) de Celso Viáfora para “My Cherie Amour”, na voz de Ivan Lins. Há outros acertos, como “Pé na Tábua” (“Ordinary Pain”), gravada por Marina Lima, ou “Send One Your Love”, na releitura do pianista César Camargo Mariano. Já as versões roqueiras de Márcio Biaso (“Superstition") e Pietros (“Isn’t She Lovely”) disputam a liderança na categoria dispensáveis.

(Resenha publicada no “Guia da Folha – Livros, Discos e Filmes”, em 30/10/2009) 

  

Itamar Assumpção: canções inéditas interpretadas por Sergio Molina e Miriam Maria

No mês em que Itamar Assumpção (1949-2003) completaria 60 anos, o compositor e violonista Sergio Molina finaliza com o lançamento do CD “Sem Pensar, Nem Pensar” (lançamento Cooperativa/Tratore), uma missão que recebeu desse expoente da chamada Vanguarda Paulista, meses antes de sua morte prematura.

Molina, que já havia composto uma canção com ele (“Não Importa”, que abre o disco), recebeu dez letras inéditas para musicar, além da sugestão de gravá-las com Miriam Maria, talentosa cantora que acompanhou Itamar em shows e discos. Antes de gravar “ao vivo” (sem cortes), no Estúdio Zabumba, em São Paulo, Molina e Miriam exibiram essas canções em mais de 20 shows.

Quem acompanhou as primeiras apresentações, em 2008, vai perceber como essa temporada contribuiu para que, burilados a cada noite, os arranjos das composições soem mais fluentes. Clara Bastos (baixo e vocais), Mariô Rebouças (piano) e Priscila Brigante (bateria e percussão) completam o quinteto que gravou o disco.

Com carta branca para dar um tratamento melódico e harmônico diferente daquele que Itamar utilizava em sua obra, Molina foi fundo. Buscou em sua bagagem musical (tanto erudita como popular, incluindo as improvisações do jazz), elementos para aproximar algumas dessas composições das obras de Arrigo Barnabé ou do grupo Rumo, cujas canções, mais do que as de Itamar, atraíram o rótulo Vanguarda Paulista.

Não é à toa que a canção que dá título ao CD traz em sua introdução a voz do próprio Arrigo, com aquele timbre rouco que marcou sua performática “Clara Crocodilo”. Os versos da letra de temática incomum (“enquanto quem pensa que pensa / fala o que pensa sem nem pensar / num canto quem pensa pensa / sem pensar, nem pensar!”), assim como os vocais femininos, remetem aos característicos arranjos de Arrigo, do Rumo ou das próprias bandas de Itamar.

O canto falado (aquela maneira de entoar os versos da canção bem próxima da fala cotidiana, muito utilizada pelo Rumo) também está presente em “Nem James Brown”, baião dissonante que soa mais próximo da música de vanguarda do que da tradição da música popular brasileira.

Estranha também, com um arranjo colorido por notas esparsas do piano e efeitos eletrônicos, a irônica “Caiu a Ficha” tem apenas três versos (“era tão extensa esta letra / que de repente caiu a ficha / pelo tema isso não passa de vinheta”) que lembram a concisão de um haikai.

Não faltam também canções de temática amorosa, frequentes na obra de Itamar, como a insólita “Autorização” (“ninguém vai invadindo / assim meu coração / sem que eu diga que venha / sem uma senha / sem minha expressa permissão”). Ou a pungente “Estranha Ideia”, interpretada com emoção e precisão vocal por Miriam. A dramaticidade dos versos (“que és meu dilúvio / não meu alívio / que és para mim um par afiado de esporas”) é realçada pelos intervalos incomuns da bela melodia criada por Molina. Uma difícil missão musical cumprida com inventividade e elegância.

(Resenha publicada no Guia da Folha de Livros, Discos e Filmes, em 25/09/2009) 

"Live From Abbey Road": DVD com programas da série traça painel da cena musical

Exibida no Brasil pelo canal pago de TV Sony, a série musical “Live From Abbey Road” aposta na atmosfera do lendário estúdio de gravação londrino, onde nasceram os melhores discos dos Beatles, utilizando-o como palco para intérpretes, compositores e bandas da cena musical de hoje, que são retratados também em breves depoimentos.

Trazendo 25 destaques extraídos da primeira temporada da série, este DVD duplo (lançamento Freemantle, distribuído no Brasil pelo selo Coqueiro Verde) reúne um elenco eclético: do pop de John Mayer, Norah Jones e Dave Matthews, ao neo-soul de Corinne Bailey Rae e Amos Lee, passando pelo jazz de Wynton Marsalis, pelo rhythm and blues à New Orleans de Dr. John, pelo funk-disco de Jamiroquai ou ainda pelo rock de Kasabian e Primal Scream. Não chega ser um painel muito representativo, mas por sua relativa abrangência pode interessar aos fãs de gostos diversificados.

(texto publicado no Guia da Folha de Livros, Discos e Filmes, em 25/09/2009) 


 

8º Tudo é Jazz: festival de Ouro Preto promove tributo a Billie Holiday

O cinquentenário da morte de Billie Holiday (1915-1959), maior cantora de jazz de todos os tempos, será lembrado em alto estilo, na cidade histórica de Ouro Preto, em Minas Gerais. Destaque da 8ª edição do festival Tudo É Jazz (de 18 a 20 de setembro), o concerto-tributo vai contar com os vocais de Madeleine Peyroux, assumida discípula de Billie, e da carioca Mart’Nália. Elas serão por uma banda de figurões do gênero, que inclui o baixista Ron Carter, o guitarrista Bucky Pizzarelli e o pianista Mulgrew Miller. Os arranjos são assinados pelo pianista e maestro israelense Oded Lev-Ari

Outros nomes de prestígio na cena do jazz estarão no elenco desse festival mineiro, como o grupo do baixista israelense Avishai Cohen, a Paris Jazz Big Band e o acordeonista francês Richard Galliano, este ao lado dos brasileiros Hamilton de Holanda e Jaques Morelembaum. O elenco destaca ainda os grupos de dois talentosos brazucas radicados em Nova York: o baterista Duduka da Fonseca e o baixista Leonardo Cioglia.

Considerado um dos melhores eventos do gênero no país, o Tudo É Jazz tem uma fórmula irresistível: combina música de alta qualidade com o charme das ladeiras e igrejas barrocas de Ouro Preto. Depois de perder seu principal patrocinador, neste ano marcado pela crise econômica, o Tudo é Jazz assume um novo formato nesta edição: todos os shows serão ao ar livre e gratuitos.

(publicado parcialmente na revista “Homem Vogue”, nº 25)

Nailor Proveta: uma coleção de belezas da música brasileira escritas para o saxofone

Quem costuma associar o saxofone apenas ao universo do jazz, vai ter que rever seu ponto de vista depois de ouvir o novo álbum de Nailor Proveta. Em “Brasileiro Saxofone” (lançamento da Acari Records), o multiinstrumentista e compositor paulista alterna os saxofones tenor, alto e soprano para esboçar a trajetória desse instrumento na música brasileira do século XX.

Em parceria com os violonistas Maurício Carrilho e Paulo Aragão, que dividem com ele a direção musical e os arranjos do álbum, Proveta utiliza diversas formações (regional, quinteto de câmara, banda de coreto) para interpretar clássicos do gênero, como os choros “Ternura” (de K-Ximbinho) e “Saxofone, por que Choras?” (Ratinho) ou a valsa “Caminho da Saudade” (Radamés Gnattali). Resgata também pérolas menos conhecidas, como o sincopado samba-choro “Quem É Você?” (Pixinguinha) e “Stanats”, homenagem do maestro Moacir Santos ao saxofonista norte-americano Stan Getz. Uma verdadeira coleção de belezas instrumentais.

Além de Carrilho e Aragão (violões), ao lado dos saxofones de Proveta também aparecem Cristovão Bastos (piano), Rui Alvim (clarinetes), Luciana Rabello (cavaquinho),o quarteto de violões Maogani e o quarteto de cordas Ensemble SP, entre outros. Nem é preciso esperar dezembro, para se saber que este é um dos melhores discos do ano na música popular brasileira.

Nailor Proveta: "Se eu não fosse músico, gostaria de ter feito cinema"

Em “Brasileiro Saxofone” (Acari Records), seu segundo álbum solo, o músico e compositor paulista Nailor Proveta, também líder da Banda Mantiqueira, traça um primoroso panorama desse instrumento de sopro na história de nossa música instrumental. A seguir, ele comenta o repertório que escolheu e as dificuldades que enfrentou para realizar esse projeto.

Como você chegou ao conceito de “Brasileiro Saxofone”?
Nailor Proveta - Esse conceito nasceu de meu encontro com [os violonistas e produtores] Mauricio Carrilho e Paulo Aragão. A idéia era fazer um disco em homenagem ao saxofone, instrumento de sonoridade mais camerística, que esteve presente nos antigos recitais de choro, no princípio do jazz e também na música clássica. Mas, em vez de usar o saxofone apenas como solista, pensamos em criar pequenas orquestras, formações nas quais o saxofone nem sempre é solista. Um exemplo: ao tocar “Caminho da Saudade”, valsa do Radamés Gnattali, com quatro violões, precisei buscar no sax tenor uma sonoridade adequada, como se eu fosse um quinto violão. Foi uma experiência muito enriquecedora.

Em “Tocando para o Interior”, seu CD de 2007, você resgatou choros e valsas que tocava no coreto de Leme, sua cidade natal, como num filme de época. “Brasileiro Saxofone” revela uma abordagem semelhante...
Proveta – Sim, a idéia é trazer a música de outras épocas para os dias de hoje, recriar aquelas ambiências, usando as mesmas medidas, os parâmetros sonoros daquelas épocas. Ouvindo esse CD, você vai ouvir, por exemplo, K-Ximbinho [apelido de Sebastião de Barros, maestro e compositor norte-rio-grandense, morto em 1980], tocando saxofone em um coreto. Depois ouve um regional mais puro ou um quarteto de cordas que remete a uma música mais urbana. Cada música desse disco tem uma cor. Elas funcionam como sequências de um filme. Aliás, se eu não fosse músico, gostaria de ter feito cinema. A idéia é a mesma.

Alguma dessas gravações tem uma história especial?
Proveta - Oito anos atrás vivi uma de minhas maiores experiências como músico, ao gravar com Moacir Santos [maestro, compositor e saxofonista pernambucano, morto em 2006, depois de viver quatro décadas nos EUA]. No estúdio, eu ficava olhando para o Moacir e me perguntava por que ele tinha ido embora do país. Antes de morrer, ele me pediu que, quando eu fizesse um disco, gravasse “Stanats”, homenagem que ele fez ao [jazzista] Stan Getz. Consegui essa partitura com um amigo dele, o [baixista] Sizão Machado, que estava com o Moacir na noite em que essa música foi composta. Então pedi ao Sizão que fizesse um solo no arranjo que escrevi.

Num projeto tão abrangente como esse, gravar só 12 faixas não é pouco?
Proveta - Na verdade, após a pesquisa que fizemos, teríamos material suficiente para gravar pelo menos outro disco. Além de composições minhas e do Maurício Carrilho, ficaram de fora músicas do Viriato Ferreira, do Domingos Pecci, do Abel Ferreira. Esse projeto deixou uma vontade enorme de tocar esses e outros compositores de forma mais consciente. Há muitos tesouros musicais por aí que precisam ser recuperados.

Você diria que o saxofone é tão valorizado no repertório da música brasileira como é no jazz?
Proveta - Os músicos brasileiros foram muito estimulados, de forma geral, pelos jazzistas. Até hoje sou apaixonado por Johnny Hodges, Benny Carter, Charlie Parker, jazzistas que tocavam o saxofone de forma maravilhosa. A diferença entre o repertório no Brasil e nos EUA é muito grande e já começa pelas partituras. Lá você pode comprar qualquer partitura de jazz. Aqui, se você quiser uma partitura de choro ou de samba, não consegue. Nunca tivemos uma editora de música no Brasil. Mesmo nos museus que possuem partituras, você não consegue a liberação. Ainda encontramos muita dificuldade para tocar o repertório de nossos mestres por causa do controle autoral.

O que o levou a tocar sax?
Proveta - Meu pai tocava saxofone, clarinete, acordeom e teclado. Lembro de quando ele me pôs no colo e pediu que eu tocasse o acordeom. “Você tem ritmo. Vou botar você para estudar música”, ele disse. Eu tinha 7 anos. O saxofone chegou às minhas mãos de forma natural: como a banda estava precisando de um saxofonista, o maestro escolheu o instrumento por mim. Ele acertou.

(publicada parcialmente no “Guia da Folha – Livros, Discos e Filmes”, em 28/08/2009)

Terence Blanchard: trompetista volta ao país com repertório do novo "Choices"

Caso raro na cena musical de hoje, o trompetista norte-americano Terence Blanchard é tão bem sucedido como jazzista, quanto é respeitado como autor de mais de 40 trilhas sonoras para o cinema – grande parte delas compostas para filmes de Spike Lee, como “A Última Noite” (25th Hour), “O Plano Perfeito” (Inside Man) ou “Malcolm X”. Seu crescente prestígio ajuda a explicar o fato de suas vindas ao Brasil serem mais freqüentes, nos últimos anos. Desta vez ele se apresenta pela série Jazz All Nights, dias 9 e 11, no Bourbon Street, em São Paulo.

Comparações nem sempre são justas, mas é difícil não lembrar que Blanchard, ao contrário de seu conterrâneo e também trompetista Wynton Marsalis (ambos têm 47 anos), voltou a se radicar em New Orleans depois que sua cidade quase foi destruída pelo furacão Katrina, em 2005. Quem ouviu seu dramático álbum "A Tale of God's Will” (2007), percebeu seu profundo envolvimento emocional com essa tragédia.

Nesta turnê, Blanchard traz um repertório mais leve e dinâmico. À frente do quinteto que destaca Fabian Almazan (piano), Derrick Hodge (baixo) e Kendrick Scott (bateria), músicos que já o acompanharam na turnê de 2007, ele exibe faixas de “Choices”, seu álbum recém-lançado nos EUA. Jazz afinado com o seu tempo.

(Publicado parcialmente no “Guia da Folha”, em 4/09/2009)


 

Miles Davis: show na Alemanha, em 1987, mostra sua fase mais pop e eletrificada

Melhor avisar logo de cara: o DVD "That's What Happened" (lançamento ST2/Eagle Vison) traz um show de Miles Davis (1926-1991), num ginásio de Munique (Alemanha), em 1987, que dificilmente vai agradar a seus fãs mais puristas, que preferem suas fases centradas no jazz acústico, seja o bebop dos anos 40, o cool da década de 50 ou as mesmo experimentações dos anos 60, em vez de suas incursões eletrificadas.

Aqui o trompetista norte-americano aparece num de seus períodos de maior popularidade à frente da banda que destaca o baixo elétrico de Darryl Jones, os saxofones de Kenny Garrett, a guitarra de Foley McCreary e os teclados de Adam Holzman e Bobby Irving. As releituras dos hits “Human Nature” (de Michael Jackson) e “Time After Time” (Cyndi Lauper) aproximaram Miles de um publico mais jovem, que cresceu ouvindo música pop. Outro sucesso do repertório desse show é "Tutu", tema que deu título a um de seus álbuns mais cultuados nesse período.

Comparada ao padrão atual dos DVDs, a qualidade das imagens deixa a desejar. Mesmo assim, a rara entrevista incluída como material extra, na qual Miles questiona o racismo e a atitude conservadora dos críticos, enquanto faz desenhos com canetas coloridas, pode interessar aos fãs de qualquer geração.

(resenha publicada parcialmente no “Guia da Folha – Livros, Discos & Filmes”, em 28/08/2009)

 

Yamandu Costa e Dominguinhos: saboroso encontro de gerações da música instrumental

Anos atrás, uma parceria como esta pareceria improvável. Como imaginar que o jovem violonista gaúcho Yamandu Costa, conhecido na cena da música instrumental por seus improvisos exuberantes e repletos de notas, poderia se unir ao veterano pernambucano Dominguinhos, mestre da sanfona e discreto herdeiro de Luiz Gonzaga?

O próprio Yamandu relembra, em depoimento incluído neste DVD (lançamento Biscoito Fino), como ficou impressionado ao ouvir um solo sentimental e minimalista do sanfoneiro, evento que contribuiu para a formação da dupla, anos mais tarde.

Gravado no Auditório Ibirapuera, em 2007, este show reúne clássicos de diversos gêneros da música popular brasileira, do baião “Asa Branca” (Gonzaga e Humberto Teixeira) à bossa “Wave” (Tom Jobim), passando por choros (“Doce de Coco”, de Jacob do Bandolim; “Pedacinhos do Céu”, de Waldir Azevedo), valsas e canções sulistas de várias épocas (como a folclórica “Prenda Minha”). O humor de Yamandu e Dominguinhos, exibido entre alguns dos números musicais, só aumenta o prazer do espectador ao saborear este encontro.

(resenha parcialmente publicada no “Guia da Folha – Livros, Discos & Filmes”, em 28/08/2009)

Charles Mingus: concerto sinfônico em DVD exibe obra perdida do jazzista

 

Este concerto, gravado em 3 de junho de 1989, em Nova York, é um dos eventos mais significativos dessa década, no universo do jazz. Afinal, tratava-se da estréia mundial de "Epitaph", obra orquestral de Charles Mingus (1922-1979), cujas partituras só foram reencontradas após sua morte. Regida pelo maestro Gunther Schuller, a pequena orquestra é uma seleção de craques do gênero, como George Adams e John Handy (saxofones), Wynton Marsalis e Randy Brecker (trompetes), Roland Hanna e John Hicks (piano), entre outros.

Não espere truques de câmera, entrevistas, nem qualquer material extra. O DVD (lançamento ST2/Eagle Vison) limita-se ao registro do concerto (com 2h10 de duração), que revela como o genial jazzista assimilou influências de eruditos do século 20, como Stravinsky, Bartok e Ravel. “Epitaph” soa mais próxima da música contemporânea do que do jazz transgressivo de Mingus, mas mantém a marca personalíssima de seu criador.

(resenha publicada no “Guia da Folha – Livros, Discos & Filmes”, em 28/08/2009)