Tirando de Letra: octeto recria canções de Dominguinhos em projeto instrumental

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                                Ricardo Herz (2.º da esq. para dir.) e os músicos que o acompanharam no show 

Se você é fã da música de Dominguinhos (1941-2013) e vive em São Paulo, não perca a última chance de ir ao show do projeto Tirando de Letra, hoje, às 18h, no Sesc 24 de Maio. Toadas, xaxados, baiões e valsas do mestre sanfoneiro ganharam cores e timbres inusitados, nas releituras instrumentais que o violinista e arranjador Ricardo Herz criou especialmente para o projeto. 

Para tocar seus inéditos arranjos, Herz formou um octeto com craques da música instrumental brasileira: Jaques Morelenbaum (violoncelo), Léa Freire (flautas), Alexandre Ribeiro (clarinete e clarone), Salomão Soares (piano e teclado), Michi Ruzitschka (violão de sete cordas), Pedro Ito (bateria) e Guegué Medeiros (percussão).

O fato de não incluir uma sanfona nesse grupo é estratégico, num projeto que incentiva o contato com a música instrumental por meio de grandes sucessos do cancioneiro brasileiro. Herz recorreu a outros instrumentos para emprestar novas tonalidades às melodias de Dominguinhos, como na lindamente triste canção “Contrato de Separação” ou no sacudido baião “Arrebol”. Claro que as melodias mais populares de Dominguinhos, como “Eu Só Quero um Xodó”, “De Volta pro Aconchego” ou “Lamento Sertanejo”, também estão presentes nesse show.

“Dominguinhos é a cara do Brasil que a gente quer”, sintetiza muito bem Herz, no programa distribuído à plateia, observando que, por meio de sua arte, o generoso sanfoneiro se dirigiu tanto aos brasileiros do norte ao sul do país, como aos estrangeiros. Uma lição de diversidade e democracia cultural, que os burrocratas instalados em órgãos governamentais dessa área deveriam aprender urgentemente.



Discos de 2019: música instrumental e jazz do Brasil em 50 álbuns recomendados

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Já que o ano passado foi tão marcado por polarizações e antagonismos ideológicos, decidi extrapolar por uma boa causa: minha lista de recomendações de álbuns lançados em 2019 é dedicada exclusivamente à música instrumental brasileira e suas eventuais conexões com o jazz.

Tomei essa decisão por dois motivos. Como em anos anteriores, as listas de “melhores” discos de 2019 já publicadas ou postadas tendem a esnobar a música instrumental. Quase todas elas concentram-se em vertentes como o chamado pop “indie”, o hoje hegemônico rap, o combalido rock ou a porção mais alternativa da MPB. Uma exceção, nessas listas, é a eventual presença do bandolinista e compositor Hamilton de Holanda.

Não se trata apenas de defender a merecida inclusão do som instrumental entre o que se faz de melhor na cena musical de hoje, mas também de afirmar a alta qualidade musical dessa vertente. Quem se der a oportunidade de ouvir ao menos alguns dos discos listados e comentados a seguir vai perceber que a produção instrumental brasileira esbanja diversidade musical, beleza, refinamento sonoro e contemporaneidade.

Como as vendas de CDs já não são as mesmas de outros tempos, quase todos esses músicos selecionados aqui disponibilizam seus discos (ou pelo menos algumas faixas) no YouTube. Se você clicar no título de cada um, na lista abaixo, pode conhecer esses discos, assim como se familiarizar com alguns desses instrumentistas. Se gostar, tenho certeza de que esses músicos vão ficar felizes se você comprar seus discos ou for ouvi-los ao vivo, na próxima vez em que eles se apresentarem em sua cidade.

Tomara que esta lista ajude você a ampliar o repertório musical que vai frequentar seus ouvidos e sua sensibilidade em 2020. Aproveite! 

Ademir Cândido - “Ritmos do Brasil” (independente) – Guitarrista e compositor gaúcho, Ademir viveu 20 anos na Suíça antes de voltar ao país. Seu quinto álbum celebra a diversidade da música brasileira, em composições próprias como o samba-jazz “O Fino da Bossa”, o xote “Enxotando” e o samba “Pakito na Gafieira”. Participações de Jaques Morelenbaum (cello) e Marcelo Martins (sax soprano), entre outros.

Alexandre Caldi e Itamar Assiere - “Afro+Sambas” (Biscoito Fino) – Ao reler o cultuado álbum “Os Afro-Sambas” (1966), de Baden Powell e Vinicius de Moraes, o saxofonista e o pianista tomam a liberdade de acrescentar aos oito sambas do disco original outros três de Baden: “Labareda”, “Samba Novo” e “Consolação”. Essa liberdade se estende também ao tratamento harmônico dos arranjos e aos improvisos do duo.  


Alexandre Carvalho Quartet - “Rio Joy” (independente) – O jazzístico arranjo da bossa nova que dá nome a este álbum revela as referências musicais do excelente guitarrista e compositor carioca, que também desenvolve carreira nos EUA. À frente de seu quarteto, Alexandre recria clássicos da música instrumental brasileira, como “The Dolphin” (de Luiz Eça) e “Samba Jazz” (JT Meirelles), e exibe temas autorais.

Alfredo Dias Gomes - “Solar” (independente) – Depois de tocar com figurões do instrumental brasileiro, o baterista e tecladista carioca tem lançado discos que demonstram sua grande afinidade com o jazz-rock. Autoral, seu novo álbum o reaproxima da música brasileira, em faixas como o baião “Viajante” e a percussiva “Solar”. É praticamente um projeto “eu comigo mesmo”, com participação do saxofonista Widor Santiago.

André Magalhães - “Para Ti - Batuques e Melodias dos Cantos” (Circus) – Um ensaio autobiográfico e étnico-musical. É assim que o produtor e baterista paulista, hoje com 51 anos, define seu primeiro álbum. André criou uma trilha sonora de suas vivências musicais de pesquisador, em composições instrumentais que misturam batuques, vozes, sons da natureza e cantos indígenas. Música imersiva que emociona e faz pensar.

André Mehmari Trio - “Na Esquina do Clube com o Sol, na Cabeça” (Estúdio Monteverdi) – O prolífero multi-instrumentista já tinha flertado com as canções do Clube da Esquina, em 2011, num disco de piano solo para crianças. Agora, ao lado de Neymar Dias (baixo) e Sergio Reze (bateria), vai mais fundo nas releituras de “Tudo Que Você Podia Ser” (Lô e Márcio Borges) e “Canoa Canoa” (Nelson Ângelo), entre outras.

Banda Urbana - “Relatos Suburbanos” (independente) – Ativa há 13 anos, a big band paulistana, que se dedica à música instrumental, chega ao seu terceiro álbum. As seis faixas incluídas no repertório deste disco foram compostas e arranjadas por integrantes da banda. Destaque para o baião “Do Mar” (do saxofonista Raphael Ferreira), que conta com participação especial do acordeonista Toninho Ferragutti.

                                           


Benjamim Taubkin & Ivan Vilela - “Encontro” (Núcleo Contemporâneo) – O pianista paulista e o violeiro mineiro cultivam neste duo um repertório que viaja por diferentes paisagens sonoras, tanto urbanas como interioranas. Belezas de sobra, em composições próprias como “Mantendo a Fé” (de Taubkin) ou “Sertão” (de Vilela), assim como nas releituras de “Milagre dos Peixes” e “Cravo e Canela” (Milton Nascimento).


Bruno E. & Coletivo Superjazz - “São Paulo Jazz Rebels” (Urubu Jazz) – Clubes essenciais na cena instrumental e jazzística paulistana, como o Bourbon Street, o Ó do Borogodó e o JazznosFundos, serviram de inspiração para composições do contrabaixista e vocalista goiano radicado em São Paulo. À frente de seu quinteto, Bruno conta com participações do vibrafonista Beto Montag e do cantor Toinho Melodia.

Café Mestiço (independente) – Álbum de estreia do trio paulistano, formado por Michi Ruzitschka (violão de 7 cordas), Ricardo Araújo (guitarra portuguesa) e Beto Angerosa (percussão). A instrumentação inusitada tem tudo a ver com o repertório eclético, que vai do choro “Eu Quero É Sossego” (de K-Ximbinho) ao novo tango de Piazzolla (“Oblivion”), passando por pérolas musicais de Cabo Verde e do Paraguai.

Carol Panesi - “Em Expansão” (Blaxtream) – Segundo álbum da talentosa multi-instrumentista e vocalista carioca, cujo quarteto inclui Fábio Leal (guitarra), Jackson Silva (baixo) e Guegue Medeiros (bateria). Seguidora da “música universal” de Hermeto Pascoal, Carol exibe uma nova safra de composições próprias recheadas de referências espirituais, como “Transmutação Violeta”, “Cordão Astral” e “Somos Todos Um”.

Cristian Sperandir - “Bons Ventos” (independente) – Álbum de estreia do pianista e tecladista gaúcho. Acompanhado por Antônio Flores (violão e guitarra), Caio Maurente (contrabaixo), Sandro Bonato (bateria) e Bruno Coelho (percussão), Cristian toca composições de sua autoria, como “Aquífero”, “Passeio de Notas” e “Tiro de Brazuca”, que combinam influências da música popular brasileira e do jazz.

Danilo Brito & André Mehmari - “Nosso Brasil” (independente) – Uma pena que o atormentado Brasil de hoje não demonstre a mesma alegria revelada por este duo inspirador. Recriando antigos choros, como “Amoroso” (de Garoto) e “Sedutor” (Pixinguinha), ou a valsa “Terna Saudade” (Anacleto de Medeiros), Brito, ao bandolim, e Mehmari, ao piano, referem-se com afeição a um país que já foi mais sonhador e solidário.

Daniel Murray - “Universo Musical de Egberto Gismonti” (Carmo/ECM) – Um dos grandes violonistas da cena instrumental de hoje, o músico carioca faz seu tributo a Gismonti, cuja obra já frequenta seus concertos há muito tempo. Entre as 13 faixas, 11 arranjos de Daniel para violão solo de preciosidades como “Forrobodó”, “Maracatu”, “Frevo” e “Água e Vinho”. A produção é assinada pelo próprio Gismonti. 


 
                                                 

Duofel, Carlos Malta e Robertinho Silva - “Duo + Dois” (Sesc) – Quem já assistiu a algum show desse inventivo quarteto deve ter notado a alegria que esses instrumentistas de alto quilate demonstram ao tocarem juntos. Entre 13 clássicos da bossa e da MPB, as releituras de “Maracangalha” (Dorival Caymmi), “Água de Beber” (Tom Jobim) e “Canto de Yemanjá” (Baden Powell) são especialmente contagiantes.

Fábio Gouvea - “Decênio” (Blaxtream) – O guitarrista e compositor paulista (integrante do Trio Curupira) criou uma extensa peça instrumental em quatro movimentos, inspirada por suas memórias afetivas da última década. Nas gravações, Fábio tem a seu lado Dô de Carvalho (saxofones e flauta), Gustavo Bugni (piano), Felipe Brisola (contrabaixo), Cleber Almeida (bateria, percussão e vocais) e Amanda Mara (vocais).

Fernando TRZ - “Solstício” (Maion) – Primeiro álbum solo do pianista, compositor e produtor paulista, que já tocou com as bandas Cérebro Eletrônico e Liniker e os Caramellows. As sete faixas são autorais. “Janeiro” remete às trilhas sonoras de filmes da “blacksploitation” dos anos 1970. O baião “Gira” mistura sons eletrônicos com um naipe de sopros. O momento lírico do disco vem em “Flores Noturnas”.

Giba Estebez – “Omni” (independente) – Ativo na cena instrumental de São Paulo, o pianista e compositor sintetiza no genérico título de seu álbum (“tudo”, em latim) as diversas influências que sua música engloba. Em “Dance”, Giba revela afinidades com o jazz elétrico dos anos 1970. Eletrificado também é o seu suingado “Samba da Hora”. Já a romântica “Ballad for Nina” destaca o sax tenor de Nina Novoselecki.  


Gilson Peranzzetta e Mauro Senise - “Cinema a Dois” (Fina Flor) – Parceiros há quase três décadas, o pianista e o flautista dedicam este álbum a temas de clássicos do cinema, como “Over the Rainbow” (do filme “O Mágico de Oz”), “Cinema Paradiso” ou “When You Wish Upon a Star” (de “Pinocchio”). Jazzistas sensíveis que são, Peranzzetta e Senise sabem equilibrar emoção e criatividade nas suas releituras.  


Hamilton de Holanda - “Harmonize” (Brasilianos) – Mesmo depois de lançar quatro discos em 2018, o bandolinista carioca não deixou o ano seguinte passar em branco. Ao lado de Daniel Santiago (violão), Thiago do Espírito Santo (baixo) e Edu Ribeiro (bateria), craques do gênero, Hamilton exibe dez composições próprias que flertam com o jazz, até com a música pop, sem abrir mão do samba e do choro.

Hércules Gomes - “Tia Amélia Para Sempre” (Sesc) – O pianista capixaba homenageia a lendária "pianeira" e compositora goianiense Amélia Brandão Nery, a Tia Amélia (1922-1980). Entre as 14 faixas, Hércules interpreta choros como “Saracoteando” e “Cheio de Truques”, em solos de piano. Em outras conta com craques do choro, como Nailor Proveta (clarinete), Izaías (bandolim) e Gian Correa (violão de 7 cordas).

Igor Willcox Quartet - “Live at The Jazz Room” (Room 73) – O quarteto paulista gravou ao vivo este álbum durante turnê pelo Canadá, em 2019. O líder (bateria), Glécio Nascimento (baixo), Vini Morales (piano e teclados) e Wagner Barbosa (sax tenor) tocam repertório próprio, que destaca o jazz-funk “Brotherhood” (de Willcox), as líricas “Piano Intro” e “Brad Vibe” (Morales) e o jazz-rock “U.F.O” (Willcox).

João Taubkin Grupo - “Kandra” (independente) – Paralelamente à parceria que tem desenvolvido com a cantora moçambicana Lenna Bahule, o contrabaixista e compositor paulistano lança mais um álbum autoral, agora à frente de um quarteto que inclui Rodrigo Bragança (guitarra), Sérgio Reze (bateria) e Zé Godoy (piano). Faixas como “Outlander” e “Miragem” revelam influências do jazz e do rock alternativo. 

                                                  

Joel Nascimento & Fábio Peron - “Jacob do Bandolim 100 Anos: Sentimento & Balanço” (Sesc) – Dois brilhantes bandolinistas de diferentes gerações cultuam a obra desse expoente do choro e compositor carioca, que adotou o bandolim até em seu nome artístico. Joel e Fábio relembram joias do mestre, como “Doce de Coco”, “Gostosinho”, “Assanhado” e “Santa Morena”. Os arranjos são assinados pelo cavaquinista e violonista Henrique Cazes.

Lelo Nazário - “Projeto MI²” (Utopia) – Um dos criadores do experimental Grupo Um, o pianista e compositor paulistano ressalta que produziu este álbum solo integralmente em seu estúdio – das gravações à capa. Tocando teclados e sintetizadores, Lelo exibe oito composições inéditas que utilizam diversas linguagens de vanguarda. Participações especiais do pianista Felix Wagner e da flautista Andrea Ernest Dias.

Letieres Leite Quinteto - “O Enigma Lexeu” (Rocinante) – O compositor e arranjador baiano, líder da cultuada Orkestra Rumpilezz, comanda o primeiro disco de seu quinteto. Autor das sete composições, da encantatória “Casa do Pai” à intensa “Mestre Moa do Katendê”, Letieres toca flautas e saxofones. A percussão de Luizinho do Jejê também é essencial neste projeto de ascendência africana em formato jazzístico.

Ludere - “Live at Bird’s Eye” (Blaxtream) – Gravado ao vivo num clube de jazz de Basel (Suíça), em 2018. Philippe Baden Powell (piano), Rubinho Antunes (trompete), Bruno Barbosa (baixo) e Daniel de Paula (bateria) tocam temas próprios, como a balada “Mirante” (de Rubinho) e o samba “Afro-Tamba” (de Philippe). O mestre do violão Baden Powell (1937-2000) é homenageado nas releituras de “Igarapé” e “Sermão”. 


Maiara Moraes Quinteto - “Cabeça de Vento” (Blaxtream) – Catarinense radicada em São Paulo, a flautista e compositora desponta em seu primeiro álbum autoral, acompanhada por Josué dos Santos (saxofones e flauta), Guilherme Ribeiro (piano), Igor Pimenta (contrabaixo) e Pedro Henning (bateria). Lirismo e diversidade rítmica convivem em belezas como “Maracatu”, “Choro pro Pê” e “Caminho de Volta”.

Manoel Cruz - “Brazilian News” (independente) – A afinidade que o contrabaixista e compositor radicado em São Paulo tem com o chamado “latin jazz” traz sabor especial a seu álbum. Para isso conta também a presença do trompetista italiano Gabriel Rosati. Na faixa “Samba D Boa” e na bela releitura da toada “Lamento Sertanejo” (de Dominguinhos e Gilberto Gil), Manoel mostra a face mais brasileira de seu jazz.

Maogani - “Álbum da Califórnia” (Biscoito Fino) – Engavetado durante uma década, este álbum que o criativo quarteto de violões carioca gravou em Los Angeles, com produção de Sérgio Mendes, finalmente está disponível. No repertório, arranjos de standards do jazz e releituras de clássicos da MPB, como “Chovendo na Roseira” (Tom Jobim), “Folhas Mortas” (Ary Barroso) e “Bananeira” (João Donato e Gilberto Gil).

Mário Sève (Kuarup) – Gravado em 2011, num show em São Paulo, este álbum do saxofonista e flautista carioca foi lançado agora para comemorar seus 60 anos. Ao lado de Gabriel Geszti (acordeom), Zé Alexandre Carvalho (contrabaixo) e Sérgio Reze (bateria), Sève toca 10 composições autorais. Três delas são canções em parceria com a cantora argentina Cecilia Stanzione, que também participou dessa gravação.  


Nenê Trio - “Primavera” (Blaxtream) – Um dos grandes bateristas do país, o gaúcho Realcino “Nenê” Lima Filho finaliza com este disco sua quadrilogia “Quatro Estações”, iniciada com o álbum “Outono” (2009). Talvez o fato de tocar há mais de uma década com o pianista Írio Júnior e o contrabaixista Alberto Luccas possa explicar a impressionante unidade sonora desse trio ao tocar as abstratas composições do líder.  
                                        


Neymar Dias - “Minhas Canções Instrumentais” (independente) – Ao batizar este álbum, o talentoso violeiro e compositor paulista não estava brincando. Acompanhado por Igor Pimenta (baixo elétrico), Agenor de Lorenzi (piano e teclados) e Gabriel Altério (bateria e percussão), Neymar apresenta, nas 11 faixas autorais, doces e singelas melodias, que estão praticamente pedindo letras para se tornarem canções.

Odésio Jericó - “Disco do Jericó” (independente) – Em 65 anos de carreira, o trompetista pernambucano fez parte de conceituadas orquestras e big bands, como a Banda Mantiqueira, que integra desde os anos 1990. Para seu primeiro disco solo, escolheu clássicos da bossa nova e do samba, como “O Que É Amar” (Johnny Alf) e “Devagar com a Louça” (Haroldo Barbosa e Luiz Reis). Música saborosa para ouvir ou dançar.

Projeto Unknown - “Projeto Unknown II” (independente) – Bruno Migotto (baixo elétrico), Cuca Teixeira (bateria), Djalma Lima (guitarra) e Gustavo Bugni (teclados), craques da cena instrumental paulistana, formam este grupo cujo segundo álbum reúne nove composições autorais. Marcadas por influências do jazz e do rock, elas remetem à chamada “fusion”, estilo eletrificado de jazz que dominou a década de 1970.

Quatro a Zero - “Mesmo Outro” (independente) – O 5.º álbum deste quarteto paulista, que começou tocando choro, em 2001, reflete sua evolução e amadurecimento. Releituras dos chorões Jacob do Bandolim (“Receita de Samba”) e Radamés Gnattali (“Papo de Anjo”) dividem o repertório com composições próprias, como “Nós e Ele” (parceria com Hermeto Pascoal) ou “Ferraguttiana” (do violonista Eduardo Lobo).

Ricardo Herz & Camerata Romeu - “Nova Música Brasileira Para Cordas” (independente) – Uma beleza o encontro do violinista paulistano com essa orquestra feminina de cordas de Cuba. Herz, que assina os arranjos e composições do álbum, explora um aspecto incomum na música clássica: o suingue. No baião “Mourinho”, por exemplo, as violinistas, violistas e violoncelistas da orquestra percutem seus instrumentos.

Rogério Caetano & Gian Correa – “7” (independente) – Por ocasião do centenário de Dino Sete Cordas (1918-2006), grande instrumentista e referência na música brasileira em relação à técnica e à linguagem do violão de sete cordas, dois craques desse instrumento – o goiano Rogério e o paulista Gian – exibem sete composições autorais para prestar tributo ao mestre. Difícil imaginar homenagem mais pertinente.

Salomão Soares Trio - “Colorido Urbano” (Blaxtream) – Uma das grandes revelações desta década na cena instrumental, o pianista e compositor paraibano comanda seu trio, que inclui o baixista Thiago Alves e o baterista Paulo Almeida. Da nervosa “Ponto Cego” à sensível “Ponto de Luz”, Salomão exibe oito temas autorais que afirmam sua inventividade. Inclui também releitura do standard “My Favorite Things”.

San-São Trio - “Novos Caminhos” (Maritaca) – O sensível saxofonista Harvey Wainapel, de San Francisco (EUA), se uniu à flautista Léa Freira e ao pianista Amilton Godoy, brilhantes músicos e compositores de São Paulo. Mais que um simbólico encontro do jazz com a música brasileira, o que se ouve aqui é uma inspiradora e descontraída conversa entre duas das tradições musicais mais ricas e criativas do mundo.

Semiorquestra - “Jogos e Quitutes” (independente) – O bem-humorado álbum de estreia desta compacta orquestra paulistana de formação incomum foi produzido por Cris Scabello (da banda Bixiga 70). O repertório é autoral e eclético: vai do baião “Iguarias do Milho” (de Luca Frasão) ao bolero “Curinga da Canastra” (Fernando Sagawa); da guitarrada “Dibrando” (João Sampaio) ao afoxé “Revoada” (Rodrigo Lima).

Silibrina - “Estandarte” (independente) – Liderado pelo pianista e compositor Gabriel Nóbrega, este septeto paulista é uma boa surpresa na cena instrumental dos últimos anos. O segundo álbum do grupo traz, em faixas como “Frevo Maligno”, “Paratema” e “Rochedo”, todas autorais, contagiantes misturas de ritmos brasileiros com influências do jazz e da música pop. Ao vivo, o Silibrina soa melhor ainda.   
                                                   

Teco Cardoso, Bebê Kramer e Swami Jr. - “Dança do Tempo” (Sesc) – Este trio não nasceu por acaso. Convidado pelo Sesc Pompeia a fazer um show de instrumentistas com os quais ainda não havia tocado, o violonista Swami Jr. formou com Teco (sopros) e Bebê (acordeom) um trio que parece tocar junto há décadas. Faixas como “Dois”, “Choro Esperança” ou “Angulosa” confirmam a empatia que une esses novos parceiros.

Thiago Carreri - “Transição” (Blaxtream) – O guitarrista de São Carlos (SP) não esconde, em entrevistas, que a fonte de seu quarto álbum foi a música do mineiro Toninho Horta. Ao lado de Márcio Bahia (bateria), Breno Mendonça e Marcelo Toledo (saxofones), Rubinho Antunes (trompete) e Bruno Barbosa (baixo), Thiago mostra belos temas sua autoria, como “Obrigado” e “Caminhos”, que parecem pedir letras.

Thiago Espírito Santo - Pra Te Fazer Sonhar” (independente) – Um dos grandes baixistas da nova geração, Thiago tem neste álbum a companhia de Bruno Cardoso (piano e teclados) e Cuca Teixeira (bateria). Do samba “Fogo Baixo, Chapa Quente” (com vocais de Filó Machado) à jazzística balada “Giselle” (com participação do gaitista Grégoire Maret), passando pelo jazz-rock “Classe A”, o repertório é todo autoral.

Toninho Horta & Orquestra Fantasma - “Belo Horizonte” (Minas) – Para comemorar seus 50 anos de carreira, o violonista e compositor mineiro não deixou por menos: lançou este álbum duplo com composições inéditas e alguns de seus sucessos, como “Beijo Partido” e “Aqui Ó” (parceria com Fernando Brant). Entre diversos convidados, a cantora Joyce Moreno, o saxofonista Nivaldo Ornelas e o percussionista Robertinho Silva.

Trio Corrente - “Tem Que Ser Azul” (Abeat) – Gravado na Itália, em 2018, segundo os próprios Fábio Torres (piano), Paulo Paulelli (baixo acústico e elétrico) e Edu Ribeiro (bateria), este álbum resume os 18 anos desse premiado trio paulistano. Clássicos da bossa nova, como “Só Tinha Que Ser com Você” (Tom Jobim) e “Eu e a Brisa” (Johnny Alf), ganham criativas releituras, ao lado de composições próprias.

Trio in Uno - “Ipê” (independente) – As primeiras notas da contagiante “Bate Coxa” (composição de Marco Pereira) já revelam um trio de sonoridade incomum. Radicados na França, os brasileiros José Ferreira (violão de 7 cordas) e Pablo Shinke (violoncelo), mais a italiana Giulia Tamanini (sax soprano), recriam com personalidade pérolas musicais como “Forrobodó” (Egberto Gismonti) e “Cine Baronesa” (Guinga).

Tulio Araujo & Daniel Grajew - “Quantum” (Savassi Festival) – O álbum do pandeirista mineiro com o pianista paulista tende ao onírico. Daniel contribui com “Rios Voadores” e “Choro Vermelho”, entre outros temais autorais. Túlio criou uma colagem inusitada: “Óleo Branco” mistura “Oleo” (do jazzista Sonny Rollins) com as melodias de “Asa Branca” (Luiz Gonzaga) e “Tico Tico no Fubá” (Zequinha de Abreu).   

Ubaldo Versolato - “Portal” (Kuarup) – Músico da Banda Mantiqueira há mais de 20 anos, o experiente saxofonista paulista já fez centenas de gravações com outros músicos, mas só se aventurou agora a gravar o primeiro disco solo. Do samba-jazz “Tubo de Ensaio” (de sua autoria) à romântica balada “Fefê” (do filho Léo Versolato), Ubaldo reafirma seu conhecido talento musical. Que venham outros discos! 


Jazz em 2019: 20 álbuns de revelações e veteranos do gênero nos Estados Unidos

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Para quem gosta de acompanhar as novidades e os lançamentos na cena internacional do jazz, aqui vai uma lista comentada de 20 álbuns lançados durante 2019, no mercado norte-americano. Não se trata de uma lista de “melhores do ano”, mas de recomendações de álbuns que tive a oportunidade de ouvir e que me agradaram.

Como o acesso a CDs lançados fora do país torna-se mais difícil a cada ano, você pode ao menos ouvir algumas faixas desses álbuns, se clicar no título de cada disco comentado (em streaming gratuito do YouTube). Espero que você curta, como eu, essas novidades do jazz. Boa audição!


Antonio Adolfo - “Samba Jazz Alley”(AAM) – Mais uma joia musical do pianista carioca, que nos últimos anos tem vivido na ponte aérea Miami-Rio. O título do álbum se refere ao lendário Beco das Garrafas, berço do samba-jazz, que Adolfo frequentou ainda adolescente. No repertório, sofisticadas releituras de clássicos da bossa nova (de Tom Jobim, Johnny Alf e Baden Powell), além de temas de sua autoria.

Benett Paster - “Indivisible” (independente) – As composições desse versátil tecladista radicado em Nova York são bem diversificadas: um contagiante soul-jazz (“Gritty Greens”), funk à New Orleans (“Belgrade Booty Call”), jazz-rock que lembra os Brecker Brothers (“Salamander”), um refinado country (“Murfreesboro Waltz”), até samba (“Indian Summer”). Cardápio saboroso para quem não tem gosto restrito.

Carol Sudhalter - “Live at Saint Peter’s Church” (Alfa Projects) – Mulher que toca sax barítono já é algo incomum, mas esta veterana jazzista vai além: também é ótima flautista, além de cantora eventual. Neste concerto gravado em uma igreja nova-iorquina, Carol interpreta composições de Sonny Rollins (“Valse Hot”), Benny Golson (“Park Avenue Petite”) e Tom Jobim (“Luiza”) à frente de um quarteto.

Chris Pasin - “Ornettiquette” (Planet Arts) – Ao batizar seu quarto álbum, este trompetista residente em Nova York já entrega suas referências. Pasin formou sua concepção musical ainda na adolescência, ouvindo discos dos vanguardistas Ornette Coleman e Don Cherry. Cinco composições de Coleman estão no repertório do sexteto, que inclui o vibrafonista e pianista Karl Berger, veterano do jazz “avant-garde”.

Dave Stryker - “Eight Track III” (Strikezone) – Releituras de hits da soul music, como “Move on Up” (Curtis Mayfield), “Everybody Loves the Sunshine” (Roy Ayers) e “Too High” (Stevie Wonder”), destacam-se neste álbum do criativo guitarrista e seu quinteto, que inclui o vibrafonista Stefon Harris. Stryker também lançou há pouco “Eight Track Christmas”, simpático álbum com versões de clássicos natalinos.

Dave Rudolph Quintet - “Resonance” (independente) – Expressivo álbum de estreia do baterista e compositor da Flórida, que assina as nove faixas. Seu quinteto – formado por ex-colegas de universidade, como o guitarrista Larue Nickelson e o saxofonista Zach Bornheimer – soa coeso e inventivo. Faixas como “Atonement”, “Those Clumsy Words” e “Night Squirrel” chamam atenção pelo sabor contemporâneo.

Duduka da Fonseca & Hélio Alves - “Samba Jazz & Tom Jobim” (Sunnyside) – Radicados há décadas em Nova York, o baterista carioca e o pianista paulista têm conquistado plateias de clubes e festivais de jazz, com o repertório deste álbum. Além dos vocais de Maucha Adnet (em belezas jobinianas, como “Dindi” e “A Correnteza”), destacam-se também participações dos trompetistas Claudio Roditi e Wynton Marsalis.

Ernie Watts - “Home Light” (Flying Dolphin) – Este é um daqueles mestres do sax tenor, cuja sonoridade você pode identificar ouvindo apenas duas ou três notas. Watts desenha aqui cenários sonoros bem diversos: da vanguardista “Frequie Flyers” (de sua autoria) à sensível balada “Horizon” (parceria com o pianista Christof Saenger). Já a faixa que empresta o título ao álbum é um sentimental soul-jazz.

Fabrizzio Sciacca Quartet - “Gettin’ in There” (independente) – Em promissor disco de estreia, o contrabaixista italiano de 29 anos lidera um invejável quarteto, com os conceituados Donald Vega (piano), Billy Drummond (bateria) e Jed Levy (sax tenor). Na suingada “For Sir Ron”, sua única composição no álbum, Sciacca homenageia o grande baixista Ron Carter, seu mentor e professor na Manhattan School.

Gretje Angell - “In Any Key” (Grevlinto) – De uma família de bateristas, essa cantora radicada em Los Angeles desponta em promissor disco de estreia. Com um belo timbre vocal, Gretje relê standards do jazz (“I’m Old Fashioned”, “Tea for Two”) e clássicos da bossa (“One Note Samba”, “Berimbau”), além de demonstrar talento nos improvisos (“Them There Eyes”). A seu lado está o guitarrista Dori Amarilio.

Jelena Jovovic - “Heartbeat” (Universal) – Uma bela surpresa o disco de estreia desta talentosa cantora da Sérvia, que já o abre com uma inusitada versão de “Witch Hunt” (de Wayne Shorter). Autora de seis das dez faixas, Jelena canta em inglês, sem sotaque. Em “The Countless Stars”, ela demonstra intimidade com a linguagem do “scat singing”, tão à vontade quanto no dançante boogaloo “Little Freddie Steps”.

Jordon Dixon - “On” (independente) – Natural da Louisiana e radicado em Washington, o saxofonista assina todo o repertório desse álbum. Em faixas como o hard bop “Lee Lee Dee” ou a balada “What You’ve Done for Me”, Dixon exibe seu som volumoso ao sax tenor, que chega a lembrar o do mestre Dexter Gordon. Já em “Fake Flowers”, com um dançante groove à New Orleans, ele se mostra fiel às suas origens.

Jorge Nila - “Tenor Time” (Ninjazz) – Neste tributo a sete mestres do sax tenor, o saxofonista de Nebraska revela sua afinidade com diversos estilos jazzísticos, sem decalcar seus ídolos. Ao lado de Dave Stryker (guitarra), Mitch Towne (órgão) e Dana Murray (bateria), Jorge demonstra sua intimidade com o soul-jazz, nas saborosas faixas “Our Miss Brooks” (de Harold Vick) e “Soul Station (Hank Mobley).

Karl Berger & Jason Kao Hwang - “Conjure” (True Sound Recordings) – O encontro do veterano vibrafonista e pianista alemão com o violinista sino-americano, nomes de destaque na cena do jazz de vanguarda, rendeu um álbum repleto de atmosferas intrigantes. Hwang definiu bem o resultado das gravações que fizeram no estúdio doméstico de Berger, sem partituras: “música espontânea e imprevisível, como a vida”.

Matthew Snow - “Iridescence” (independente) – Ativo na cena jazzística de Nova York há sete anos, esse contrabaixista e compositor faz uma promissora estreia em disco. À frente de um sexteto jovem tão jovem quanto ele, Snow demonstra personalidade musical nas oito composições que assina. Temas como “Amber Glow”, “The Change Agent” e “The Exit Strategy” indicam sua afinidade com a estética do hard bop.

Ray Blue - “Work” (Jazzheads) – Não é demérito algum para esse articulado saxofonista radicado em Nova York se referir a ele como um músico da velha guarda. Ray Blue é um adepto do jazz que não abre mão do swing, o que ele confirma, tanto em sua composição “Attitude”, como em releituras de temas de craques do jazz moderno, como “Amsterdam After Dark” (de George Coleman) ou “Sweet Emma” (de Nat Adderley).

Roger Kellaway - “The Many Open Minds of Roger Kellaway” (IPO) – Aos 80 anos, este pianista e arranjador já fez muita coisa ao lado de músicos de perfis bem diversos, como Duke Ellington, Elvis Presley ou Yo-Yo Ma. Neste álbum, em trio com o guitarrista Bruce Forman e o baixista Dan Lutz, ele revisita clássicos do jazz, como “52nd Street Theme” (T. Monk), “Take Five” (P. Desmond) e “Doxy” (S. Rollins).

The Doug MacDonald Quartet - “Organisms” (independente) – Bem conhecido nos estúdios e clubes de jazz de Los Angeles, o guitarrista toca neste álbum um repertório de standards e temas próprios, com um quarteto que destaca o sax de Bob Sheppard. Num ano bem produtivo, MacDonald lançou mais dois álbuns: “Califournia Quartet”, com outro quarteto, e “Jazz Marathons 4”, com os 10 músicos do Tarmac Ensemble.

The Gil Evans Orchestra - “Hidden Treasures Monday Nights” (GEO) – Os brasileiros que tiveram o privilégio de ouvi-la ao vivo, nos anos 1980, jamais se esqueceram dessa eletrizante orquestra. Décadas depois, o trompetista Miles Evans e o produtor Noah Evans, filhos do grande arranjador (morto em 1988), resgatam o espírito original da orquestra, que inclui vários craques da cena jazzística nova-iorquina.

Tucker Brothers - “Two Parts” (independente) – Os irmãos Joel (guitarra) e Nick Tucker (baixo) já são bem conhecidos na cena musical de Indianapolis. Como líderes do quarteto Tucker Brothers, eles exibem nove composições próprias, neste que é o terceiro álbum do grupo. Da emotiva “Warm Heart” à encantatória “Return to Balance”, o grupo demonstra personalidade musical e gosto pelas improvisações.


Fernando Barba: criador do grupo Barbatuques narra em livro sua trajetória musical

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                                                                             Fernando Barba, criador do grupo Barbatuques

Admiro o trabalho musical e pedagógico de Fernando Barba há quase duas décadas. Em 2002, tive o prazer de selecionar o Barbatuques, grupo de percussão corporal criado e liderado por ele, para se apresentar no Prata da Casa, um projeto do Sesc Pompeia dedicado a apoiar novos talentos musicais, do qual fui curador durante dois anos e meio.

Já naquela época, a criatividade do Barbatuques se destacava entre os grupos e artistas participantes. Não foi à toa que, nos anos seguintes, o grupo percorreu o Brasil e desenvolveu uma brilhante carreira que segue até hoje, com turnês no exterior e aparições em eventos internacionais, como o encerramento dos Jogos Olímpicos de 2016.



Como muitos colegas e fãs de Barba, em abril de 2017, fiquei surpreso e preocupado ao saber que ele teria de enfrentar uma cirurgia urgente, após ser diagnosticado com um tumor no cérebro. Durante o processo de recuperação das sequelas que enfrenta até hoje, Barba decidiu compartilhar suas memórias e experiências musicais. 

No livro “A Vida Começava Lá - Uma História de Repercussão Corporal” (Stacchini Editorial), que escreveu em parceria com Renata Ferraz Torres, sua irmã, Barba relembra com sinceridade e riqueza de detalhes sua ligação com a música corporal, assim como sua essencial participação na trajetória do grupo Barbatuques.

O lançamento será neste domingo (24/11), das 14h às 17h, na Livraria da Vila (r. Fradique Coutinho, 915, Pinheiros, zona oeste de São Paulo). Claro que não vou perder essa oportunidade de dar um abraço no querido Barba.





Preta Jazz Festival: evento teve predominância negra e feminina em seu elenco

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                                                              O pianista pernambucano Amaro Freitas, no Preta Jazz Festival  

Um comentário do compositor e cantor Renato Gama sobre o fato de o elenco do Preta Jazz Jazz Festival (ontem, 20/11, em São Paulo) reunir artistas negros, majoritariamente, chamou a atenção da plateia do Auditório Ibirapuera para o ineditismo daquela noite. Nada mais coerente tratando-se de um festival de música ligado à Feira Preta – o maior evento dedicado ao empreendedorismo negro da América Latina.

Se a predominância de artistas negros é habitual em alguns festivais de jazz pelo mundo, como o de Nova Orleans (nos Estados Unidos) ou o da Cidade do Cabo (na África do Sul), por exemplo, não se pode dizer o mesmo de eventos similares no Brasil – um país no qual, ironicamente, mais da metade da população é afrodescendente.

Vale destacar também outra proeza do Preta Jazz, que nem chegou a ser mencionada durante os shows: com exceção do trio do pianista Amaro Freitas, as outras três atrações do festival eram majoritariamente compostas por mulheres. Nos últimos anos, muitos festivais de jazz pelo mundo vêm tentando aumentar a proporção de mulheres em seus elencos, mas a predominância ainda é marcadamente masculina.

Pena que parte da plateia do Preta Jazz (provavelmente não acostumada a noites musicais com mais de três horas de duração, comuns em festivais do gênero) tenha ido embora antes do último show. Quem ficou se encantou com a inédita e bem-humorada parceria da cantora moçambicana Lenna Bahule com a baixista Ana Karina Sebastião (ex-Quartabê), que entraram em cena cantando o clássico samba “Alguém me Avisou” (de Dona Ivone Lara) e exibiram composições próprias recheadas de improvisos (na foto abaixo).   


Atração mais impactante da noite, o pianista e compositor pernambucano Amaro Freitas demonstrou mais uma vez – à frente de seu poderoso trio, com o baixista Jean Elton e o baterista Hugo Medeiros – porque é festejado como a grande revelação do jazz em nosso país, nos últimos anos. Amaro não se repete: a cada nova apresentação revela uma disposição maior ainda por experimentar novos caminhos e estruturas musicais, em seus improvisos e composições, desprezando clichês. Amaro é um daqueles músicos que podem se apresentar com sucesso em qualquer festival do gênero no mundo.

Conhecido como líder da banda Nhocuné Soul, a qual lidera há mais de duas décadas, Renato Gama abriu mais uma vertente em sua obra, dois anos atrás. Com uma formação instrumental incomum (que inclui fagote e violoncelo ao lado de flauta e sax alto), a Orquestra Profunda de Delicadeza empresta sua sofisticada sonoridade a poemas musicados de escritoras negras. Renato também preparou uma boa surpresa: numa sacada típica de festival de jazz, convidou Amaro Freitas para uma “canja” com integrantes de sua compacta orquestra.

Naruna Costa, Naloana Lima e Martinha Soares, as cantadeiras urbanas do grupo Clarianas (que também são instrumentistas), abriram a noite com um envolvente repertório de cantorias populares que abordam o cotidiano das periferias de nosso país. Não à toa cantam e tocam descalças.

Com um programa original, que inscreve o jazz e a música instrumental dentro da ampla diversidade da música brasileira de ascendência negra, o Preta Jazz Festival estreou bem. Tomara que retorne em 2020.


Duduka da Fonseca Trio: tocante homenagem a Dom Salvador, no clube Bourbon Street

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                                                             O baterista Duduka da Fonseca e baixista Guto Wirtti   

A relação entre músicos de diferentes gerações, especialmente no universo do jazz, costuma chamar minha atenção. A admiração que um instrumentista tem por outro mais experiente, que lhe apontou caminhos musicais ou até mesmo o incentivou a se tornar músico profissional, lembra a relação de um discípulo com seu mentor. Quem teve a sorte de conviver com um(a) professor(a) muito especial, que abriu seu horizonte intelectual ou lhe deu o estímulo que faltava para abraçar uma carreira até então inusitada, sabe do que estou falando.

Voltei a pensar nisso durante a apresentação do Duduka da Fonseca Trio, no último domingo (10/11), no clube Bourbon Street, em São Paulo. Grande baterista carioca, radicado em Nova York desde 1975, Duduka aprendeu a tocar acompanhando discos de jazzistas americanos e brasileiros. Por isso, em 1980, quando o pianista e compositor paulista Dom Salvador (pioneiro do samba-jazz, que também já vivia em Nova York) o chamou para substituir o baterista de seu grupo, Duduka, já próximo dos 30 anos, brincou com ele: “Eu toco com você desde os meus 14 anos”. Ali começou uma parceria e uma amizade de quatro décadas, que prossegue até hoje.   


Duduka narra esse episódio no encarte do excelente álbum que gravou em 2018, com 11 composições de Dom Salvador. Nas gravações de “Duduka da Fonseca Trio Plays Dom Salvador” (CD lançado pelo selo Sunnyside), ele já tinha a seu lado o pianista David Feldman (na foto ao lado) e o baixista Guto Wirtti, jovens craques da cena jazzística carioca, que também o acompanharam no Bourbon Street.

Entre várias belezas musicais, os três tocaram “Retrato em Branco e Preto” (de Tom Jobim e Chico Buarque) e “Waiting for Angela” (Toninho Horta), mas a maior parte do repertório do show saiu mesmo do disco dedicado a Dom Salvador: composições como “Gafieira”, “Farjuto” e “Samba do Malandrinho”, que trazem a assinatura rítmica do original pianista de Rio Claro (SP), além da sensível balada “Mariá”, que ele dedicou à sua esposa.

A admiração que Duduka revela ao anunciar as composições de Salvador é inspiradora. Nestes tempos em que o ódio e a violência parecem ter se tornado tão comuns em nosso cotidiano, a homenagem de um músico a outro de uma geração anterior (numa área profissional em que também há muita competição) soa como uma lição de fraternidade e amor. Uma noite especial para quem estava na plateia do Bourbon Street.



POA Jazz Festival: inspirador, evento gaúcho incentiva conexões e diversidade musical

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                                                                            O grupo instrumental gaúcho Raiz de Pedra 

Não é qualquer festival de jazz que tem a audácia de incluir em sua programação uma banda de hip-hop. Ainda mais um grupo como o Rafuagi, principal nome do gênero no Rio Grande do Sul, que não dispensa críticas à desigualdade social e ao racismo, entre outros temas muito pertinentes, nas letras de suas músicas.

A ideia do curador Carlos Badia, ao convidar o Rafuagi para a 5ª edição do POA Jazz Festival (que terminou já na madrugada de domingo, no Centro de Eventos Barra Shopping Sul, em Porto Alegre), faz todo o sentido. A inusitada parceria com o Quarto Sensorial, trio instrumental que mistura jazz experimental e rock progressivo, trouxe novas sonoridades e mais musicalidade ao hip hop do grupo (na foto abaixo, o rapper Ricky Rafuagi). 


Mesmo assim, na plateia, alguns não gostaram de ouvir o rap “Manifesto dos Porongos”, contundente releitura do “Hino Rio-Grandense”, que o Rafuagi lançou em 2016. Com o refrão “povo que não tem virtude acaba por escravizar”, essa música se refere a um revoltante episódio da Guerra dos Farrapos (1835-1845). Uma tropa formada por centenas de escravos, que receberam a promessa de serem libertados ao final da guerra, foi dizimada graças à traição dos líderes dessa rebelião contra o governo imperial. Um sangrento caso de racismo e violência que poucos conhecem no resto do país.   

Alguns espectadores chegaram a deixar a plateia, incomodados pela crítica desconstrução do hino gaúcho, mas voltaram mais tarde para ouvir uma das atrações mais esperadas do festival. A cantora francesa Cyrille Aimée e o violonista paulista Diego Figueiredo (na foto abaixo) formam um duo encantador, ao recriarem um repertório que inclui clássicos do jazz (“Night in Tunisia”), bossa nova (“Chega de Saudade”) e canções francesas (“La Vie em Rose”). Cyrille também domina a arte do “scat singing” e, em alguns momentos, transforma sua voz doce em um instrumento musical, dialogando nos improvisos com o brilhante violão de Diego.   

Última atração entre os shows do festival, a banda norte-americana Davina & The Vagabonds divertiu a plateia com seu jazz tradicional de brechó e dançantes rhythm & blues. Tatuada, cheia de caras e bocas, a vocalista, pianista e compositora Davina Lozier (na foto abaixo) lembra uma cantora de cabaré, mas possui repertório próprio. Composições como “Sugar Drops” ou “Deep End” remetem a clássicos blues dos anos 1920, recheados de humor e auto-ironias.

A noite de sábado começou com a apresentação do Sexteto Gaúcho, grupo da nova geração do choro, que lançou seu álbum de estreia, “Bicho Solto”, em 2018. Mesmo quando esse sexteto de chorões toca clássicos do gênero, como “Bem Brasil” (de Altamiro Carrilho) ou o delicado “Ternura” (de K-Ximbinho), dá para se sentir, tanto na sonoridade do acordeom de Matheus Kleber, como nos andamentos mais rápidos, o característico sotaque do choro cultivado no Rio Grande do Sul.

Confesso que, ao saber que o formato desta edição do POA Jazz Festival consistia em quatro shows por noite, cheguei a pensar que os espectadores dificilmente resistiriam até o final dos extensos programas. Mas a alta qualidade das atrações musicais manteve o interesse da plateia, em duas noites que se estenderam pelas madrugadas.  

Do reencontro dos músicos do cultuado grupo instrumental gaúcho Raiz de Pedra, que formou uma legião de fãs nos anos 1980 e 1990 (imagine algo como um retorno do Quarteto Novo, tamanha era a excitação que se sentia na plateia) às contagiantes fusões de ritmos do Nordeste brasileiro com o jazz exibidas pela banda paulista Silibrina, passando pelo sofisticado jazz do quarteto do saxofonista holandês Jasper Blom e pelo tributo do jovem pianista Cristian Sperandir ao saudoso compositor gaúcho Geraldo Flach (1945-2011), a noite de abertura, em 8/11, foi também repleta de boas surpresas. 

Vale observar ainda que o POA Jazz leva muito a sério seu slogan “Somos múltiplas conexões”. Além dos oito shows da programação principal, o festival gaúcho também realizou várias atividades paralelas, como uma homenagem ao crítico musical e pesquisador gaúcho Juarez Fonseca por seus 50 anos de carreira ou a exibição do documentário “Zuza Homem de Jazz”, que foi debatido com seu protagonista, o jornalista, produtor e curador musical Zuza Homem de Mello.

Outros debates e palestras abordaram temas como as perspectivas do jornalismo cultural, políticas culturais e a sustentabilidade nos projetos culturais. Houve também uma série de masterclasses, com os integrantes do grupo Raiz de Pedra, com Mathias Pinto, violonista do Sexteto Gaúcho, e Jesse Van Huller, guitarrista do Jasper Blom Quartet. Aliás, esse grupo holandês se apresenta hoje, às 23h, no clube JazzB, em São Paulo.

Num ano tão difícil para a realização de projetos culturais que dependem de patrocínios, em meio a um contexto reacionário de censura e de ataques à cultura de nosso país, o 5.º POA Jazz Festival deu um show de profissionalismo e perseverança, mesmo sendo obrigado a fazer cortes em seus planos iniciais. Um exemplo inspirador a ser seguido nessa área.

(Cobertura realizada a convite da produção do evento)

 

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