Bossa Nova: o movimento musical é reavaliado por Tárik de Souza em um livro essencial

 

                                            João Gilberto - Foto de Tuca Vieira/Creative Commons  

O título pode sugerir algo um pouco diferente aos desavisados. “João Gilberto e a insurreição bossa nova: outros lados da história”, novo livro de Tárik de Souza, não é uma biografia do lendário cantor e compositor baiano, que surpreendeu os fãs da música popular brasileira, no final dos anos 1950, com uma inovadora batida ao violão e seu canto minimalista, quase falado. Ao mesclar a influência do jazz com o samba, a bossa nova inaugurou a era moderna da canção brasileira. 

Com esse livro que reavalia a história e os personagens da bossa nova, o conceituado crítico musical e jornalista carioca completa uma trilogia sobre o universo do samba, ao destacar aspectos desse espontâneo movimento musical que ainda não haviam sido devidamente abordados. Em 2003, Tárik lançou “Tem mais samba: das raízes à eletrônica” (Editora 34), um panorama do mais popular gênero musical brasileiro. Já em 2016, no livro “Sambalanço, a bossa que dança” (Kuarup), ele dissecou a vertente suingada da bossa nova, que contagiou os salões de dança durante as décadas de 1960 e 1970.

“Este livro é praticamente autobiográfico”, diz o autor, explicando que essa obra resultou de sua intensa relação pessoal e profissional com a bossa nova, desde as primeiras manifestações desse movimento no cenário musical brasileiro. “Eu vivi a bossa nova. Sempre acompanhei tudo, li tudo, fui a todos os shows. E quando me tornei jornalista, entrevistei o pessoal da bossa diversas vezes”, relembra o jornalista.

Lançada pela editora porto-alegrense L&PM, essa extensa e meticulosa obra de 444 páginas é, na definição de Tárik de Souza, “um livro bossa nova sobre a Bossa Nova”. No prefácio, intitulado “João e a Bossa instalaram o Brasil na vanguarda musical do planeta”, o autor avisa que “para abarcar esse movimento disruptivo de forma coerente com seu objeto de estudo, a abordagem do livro também teria que ser ‘bossa nova’ – fora da linearidade das historinhas com princípio, meio e fim”.

Eixo central da narrativa, o protagonista João Gilberto (1931-2019) está presente desde as primeiras páginas do livro. A começar por uma compilação de versos de canções que o homenageiam, assinadas por discípulos e colegas da música popular brasileira, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Carlos Lyra, João Bosco, Joyce Moreno, Jards Macalé e Tom Zé, entre outros.  

Já no capítulo final, intitulado “Um cantinho, um banquinho, um violão e a voz acoplada – o legado de um divisor de águas”, Tárik reúne reveladores depoimentos de diversos compositores e intérpretes de nossa música: do vanguardista paranaense Arrigo Barnabé à cantora bossa novista paraense Leila Pinheiro; do mestre baiano Dorival Caymmi à intérprete holandesa Josee Koning, um exemplo da internacionalização da bossa, entre muitos outros. De modo geral, esses artistas relatam como receberam a influência avassaladora de João e as inovações dessa tendência musical.

Para realizar sua análise da obra musical de João Gilberto, Tárik utilizou como bússola o material extraído de uma entrevista exclusiva que fez “com a lenda em pessoa”. Trata-se de uma conversa de quatro horas com João, em maio de 1971, quando o autor trabalhava na revista “Veja”, em São Paulo, na qual o compositor comentou a maneira como selecionava seu repertório e o tratamento que dava às canções. O experiente crítico musical também encara nesse livro a missão de analisar todos os discos gravados por João, faixa a faixa, ao longo de suas seis décadas de sua carreira.   

O capítulo “Inclusão, Diversidade e Pluralismo” rebate um preconceito que persegue a bossa nova há décadas. “Um dos mais rombudos clichês pespegados no invólucro mágico da bossa nova é o de um movimento elitista, privilégio restrito a uma rapaziada branca da zona sul carioca. Mentira deslavada, que este capítulo contesta”, afirma o autor. “O fator determinante tem a ver com a geopolítica da cidade, então mandatária capital federal do país e sua sede cultural, aí incluídas as principais emissoras de rádio e TV, casas de shows, imprensa e gravadoras”.

Dirigindo esse capítulo àqueles que chegaram a atribuir uma conotação racista à bossa nova, Tárik destaca com detalhes as importantes contribuições de diversos artistas negros, como a cantora carioca Alaíde Costa (que só recentemente tem recebido a consagração que já merecia nos anos 1960), o pianista e compositor carioca Johnny Alf (considerado um avançado precursor da bossa), o maestro e compositor pernambucano Moacir Santos, o cantor e compositor carioca Jorge Ben e ainda três instrumentistas e compositores paulistas: o saxofonista e clarinetista Paulo Moura, o pianista e maestro Laércio de Freitas e o pianista e arranjador Dom Salvador, que vive em Nova York desde 1973, mas nos últimos anos vem sendo descoberto pelas gerações mais jovens.    

Só por denunciar preconceitos e rejeitar clichês estabelecidos há décadas na bibliografia que aborda a bossa nova, assim como pela iniciativa de reavaliar importantes contribuições a esse movimento de músicos que foram subestimadas no passado, o livro de Tárik de Souza já seria obrigatório para os fãs dessa vertente musical. É muito mais, é uma leitura essencial para qualquer apreciador da música popular brasileira. Como já definiu e cantou Caetano Veloso, "a bossa nova é foda".

Sesc Jazz: em noite emocionante, festival reúne as vozes de Alaíde Costa e Ilessi

                                         As cantoras Alaíde Costa e Ilessi, no festival Sesc Jazz, em São Paulo 

É muito provável que parte da plateia que foi ao Sesc Pompeia, no domingo (9/10), estivesse ali somente para rever a grande Alaíde Costa. Essa cantora e compositora carioca, que estreou profissionalmente em meados da década de 1950, é considerada uma precursora da bossa nova graças ao seu suave estilo vocal e à sofisticação de seu repertório. Ver Alaíde cantar, aos 86 anos, é um privilégio, uma experiência emocionante.

Daí a surpresa para aqueles que ainda não conheciam o carisma e a força vocal de outra cantora carioca, que dividiu o palco com Alaíde, nessa noite inesquecível do festival Sesc Jazz. Também compositora, Ilessi é uma intérprete sensacional que, ironicamente, ainda é pouco conhecida em São Paulo, apesar de cantar profissionalmente há mais de duas décadas. Ela tem uma daquelas vozes negras, expressivas e poderosas, que não saem mais de nossa memória depois de ouvidas pela primeira vez.

O título desse show, “Atlântico Negro”, é revelador. Acompanhada por ótimos músicos da Bahia, do Rio e de São Paulo, com direção musical do pianista Marcelo Galter, Ilessi reuniu um repertório assinado por grandes compositores negros, como Milton Nascimento, Tânia Maria, Filó Machado e Djavan, além de composições de sua autoria.

Não é difícil perceber influências de Milton e de Elis Regina, no canto de Ilessi. Em alguns momentos do show, ela fecha os olhos. Parece mergulhar profundamente na música ou quem sabe busca se conectar com a energia de seus ancestrais. Em outros instantes, sua expressão se torna mais dura, como se personificasse a indignação e a dor de seus antepassados.

Se você ainda não ouviu Ilessi, procure seus discos ou assista seus vídeos, até a próxima oportunidade de ouvi-la num palco. Em um país injusto e preconceituoso como o nosso, uma pérola negra de alto quilate, como essa grande artista brasileira, precisa ser garimpada.

Sesc Jazz: 4.ª edição do festival amplia espaço para mulheres e música negra

                                               A cantora e dançarina Dobet Gnahoré / Foto: Jean Goun - Divulgação

O mais extenso e diversificado dos festivais brasileiros de jazz e música instrumental está de volta, com destaque para vertentes da música negra que a diáspora africana semeou pelas Américas. A quarta edição do Sesc Jazz vai ser realizada de 5 a 23/10, em sete unidades do Sesc São Paulo: Pompeia (na capital), Guarulhos, Jundiaí, Piracicaba, Presidente Prudente, Ribeirão Preto e São José dos Campos. 

As três semanas de programação oferecem 20 atrações internacionais e nacionais. A noite de estreia, no Sesc Pompeia, ficará por conta da Exploding Star Orchestra, de Chicago (EUA). Liderada pelo cornetista e compositor Rob Mazurek, essa formação instrumental reúne músicos norte-americanos e brasileiros, que produzem um jazz eletrônico e funkeado, com incursões pelo experimentalismo.

O continente africano está muito bem representado no elenco desta edição. De ascendência zulu, o pianista e compositor sul-africano Nduduzo Makhathini também é educador. Seus álbuns mais recentes, “Modes of Communication Letters From the Underworlds” (2020) e “In the Spirit of Ntu” (2022) foram lançados pelo cultuado selo Blue Note. No quinteto de Makhathini chama atenção o baterista nova-iorquino Nasheet Waits, um dos craques desse instrumento no jazz atual.

Congolês radicado na França, o pianista e compositor Ray Lema já se apresentou diversas vezes no Brasil desde a década de 1990. O ecletismo de sua obra musical costuma deixá-lo em uma situação delicada, quando alguém lhe pede que identifique sua música. “Na verdade, quando componho, é acima de tudo uma questão de amor: me apaixono por roqueiros, por reggaeros, por um baterista tradicional. Sempre fico constrangido com esse negócio de classificar minha música”, admite.

O fato de a cantora, percussionista e dançarina Dobet Gnahoré já ter sido comparada a grandes astros da música africana, como a cantora Miriam Makeba ou o trompetista Hugh Masekela, dá uma dimensão de seu talento. Nascida na Costa do Marfim, Dobet se mudou para a França, em 1999. Adepta do panafricanismo, ela canta em diversas línguas faladas no continente africano, como o bété (Costa do Marfim), o fon (Benin), o suaíli (Moçambique, Tanzânia e Quênia) e o wolof (Senegal e Mauritânia).

                                    O quarteto da flautista Nicole Mitchell (no centro) / Foto: Divulgação

Aliás, as mulheres, tanto instrumentistas como cantoras, ganharam mais espaço nesta edição do Sesc Jazz – iniciativa que merece aplausos. Também ligada à cena do jazz experimental de Chicago, a flautista e compositora Nicole Mitchell lidera o Black Earth Sway, quarteto feminino que reúne a tecladista Alexis Lombre, a baterista JoVia Armstrong e a percussionista e atriz Coco Elysses, que toca diddley bow (primitivo instrumento com uma corda, que antecedeu a guitarra).

Do continente europeu virão duas originais pianistas, compositoras e arranjadoras. A francesa Macha Gharibian, que também é cantora, mistura em suas composições influências da música pop e de canções do folclore da Armênia, o país de seus antepassados. A dinamarquesa Kathrine Windfeld combina energia e lirismo em seu jazz. Vai se apresentar aqui em dois formatos diferentes: com a mineira Big Band do Clube, no Pompeia e em Jundiaí; já em Ribeirão Preto, ela toca com seu quarteto.

Revelação da cena alternativa do jazz em Londres, o coletivo Kokoroko é liderado pela trompetista e vocalista Sheila Maurice-Grey. Depois de animar muitas plateias em clubes e festivais por cerca de quatro anos, essa banda britânica lançou em agosto seu primeiro álbum. “Could We Be More” mistura influências africanas e caribenhas, em gêneros musicais como o afrobeat, o highlife, o funk e a soul music.

Dois paulistas que vivem na Europa também estão na programação. A baterista, compositora e cantora Mariá Portugal (ex-integrante da banda Quartabê), que se mudou para a Alemanha dois anos atrás, mostra o repertório de seu álbum “Erosão”, lançado em 2021. Suas canções servem de ponto de partida para improvisos com instrumentos acústicos, que depois são manipulados com recursos eletrônicos.

Radicado na Escócia desde 2014, o guitarrista, cantor e compositor André Christovam tornou-se uma referência no universo do blues com sotaque brasileiro, ainda na década de 1990. Foi também um dos artistas responsáveis, em nosso país, por incentivar uma onda de interesse por essa tradicional raiz do jazz e da música negra norte-americana. Acompanhado por Albino Infantozzi (bateria) e Fábio Zaganim (baixo elétrico), ele promete uma retrospectiva de sua obra musical.

                                                        A cantora peruana Susana Baca / Foto: Divulgação

Nossos “hermanos” latino-americanos também estão representados no elenco deste Sesc Jazz. Pesquisadora da herança artística afro-latina e ex-ministra da cultura de seu país, a cantora Susana Baca é uma das grandes vozes negras deste continente. Em patamar de importância equivalente, a carioca Alaíde Costa vai dividir o palco com outra grande cantora que é sua conterrânea: mais jovem e com uma carreira musical de duas décadas, Ilessi ainda não desfruta do reconhecimento que merece.

Outros shows e projetos especiais são dedicados à música popular brasileira, como a comemoração dos 35 anos de lançamento do álbum “Quarteto Negro” (de 1987), que será reconstituído por três dos músicos participantes da gravação original: a cantora Zezé Motta, o percussionista Djalma Correa e o baixista Jorge Degas; o grande clarinetista Paulo Moura (1932-2010) será substituído por Ivan Sacerdote.

Já o tecladista e compositor Lelo Nazário, pioneiro na introdução de elementos de vanguarda na música instrumental brasileira, festeja seus 40 anos de carreira relendo algumas de suas composições mais significativas, ao lado de antigos parceiros em sua trajetória, como Teco Cardoso (sax e flautas), Nenê (bateria), Zeca Assumpção e Rodolfo Stroeter (baixo acústico e elétrico).

Dois veteranos músicos e compositores brasileiros vão receber homenagens. O show “Moderno e Eterno” é um tributo ao legado do pianista e original chorão paulista Laércio de Freitas, hoje com 81 anos. Dono de uma obra musical admirada internacionalmente, o percussionista catarinense Airto Moreira (com a mesma idade de Laércio) terá seu álbum “Fingers” executado na íntegra, com participação especial do violonista Filó Machado.

A música brasileira também está no centro de dois criativos projetos. O encontro da cantora Juçara Marçal e do guitarrista Lello Bezerra, entre outros brasileiros, com os franceses Nicolas Pointard (bateria) e Christophe Rocher (clarinete), do quarteto de câmara Nautilus Ensemble, foi batizado de Abajur. Já o projeto Tradição Improvisada reúne Thomas Rohrer (rabeca e sopros), Kiko Dinucci (guitarra) e Panda Gianfratti (percussão) com a cantora Dona Benedita, em homenagem a Nelson da Rabeca (1941-2022), mestre da cultura popular de Alagoas.

Finalmente, duas orquestras da Bahia oferecem às plateias do Sesc Jazz a oportunidade de mergulhar, ao vivo, na riqueza da música afro-brasileira. Liderada pelo maestro Ubiratan Marques, que a criou em 2009, a Orquestra Afrosinfônica combina sonoridades afro-brasileiras com a linguagem da música de concerto – daí o conceito de “afrossinfônico”, cunhado pelo próprio regente. Sua formação inclui instrumentos de sopro, metais, percussão e quatro vocalistas.

Foi o maestro, multi-instrumentista, compositor e arranjador Letieres Leite (morto precocemente em 2021), que fundou a Orkestra Rumpilezz, em Salvador, em 2006. O nome dessa big band afro-brasileira já revela suas origens e principal influência: os nomes do três tambores nos rituais do candomblé (rum, rumpi e lê) se fundem com os dois “zês“ da palavra jazz. Em seus concertos no festival, a Rumpilezz exibe o repertório de seu álbum “Moacir de Todos os Santos”, dedicado à obra do grande maestro e compositor pernambucano Moacir Santos (1926-2006).

Confira a programação completa do festival Sesc Jazz e compre seus ingressos no site do Sesc SP: https://sescjazz.sescsp.org.br/programacao/

Bossa 60: projeto do Sesc homenageia o estilo musical que conquistou o mundo

                                                                O violonista Roberto Menescal e a cantora Wanda Sá 

Aos 60 anos, ela ainda não perdeu seu espírito juvenil e poético, muito menos a elegância musical que continua a seduzir fãs de várias gerações. Moderna maneira de interpretar o velho samba que conquistou o mundo, a bossa nova será homenageada em vários eventos do “Bossa 60” – projeto idealizado e produzido pelo Sesc 24 de Maio, em São Paulo.

A programação começa com o reencontro de três astros da bossa, nos dias 23 e 24/1. A cantora Wanda Sá, uma das mais conceituadas intérpretes desse estilo musical, reencontra o violonista Roberto Menescal e o tecladista Marcos Valle – dois dos maiores compositores dessa vertente. Nesse show, eles relembram clássicos da bossa, além de sucessos assinados por Menescal e Valle.

Conhecida desde a década de 1990 como vocalista da banda de rock Pato Fu, Fernanda Takai tem demonstrado sua intimidade com a bossa e a MPB, nos últimos anos. Depois do tributo que rendeu à cantora e musa da bossa Nara Leão, agora ela dedica um show inteiro à obra de Tom Jobim (1927-2004), interpretando canções da fase inicial do grande compositor e maestro da bossa, no dia 25/1 (em dois horários).

O cancioneiro de Tom Jobim também serve de ponto de partida para os shows do violonista e arranjador Dante Ozzetti, que aceitou o convite da equipe de programação do Sesc 24 de Maio para participar da série “Tirando de Letra”, nos dias 26 e 27/1. Ele encara o desafio de interpretar conhecidas canções de Jobim, em arranjos instrumentais que enfatizam contrapontos, texturas sonoras e timbres incomuns. Ao lado de Ozzetti estarão craques da música instrumental, como Nivaldo Ornelas (sax), Gabriel Grossi (gaita) e Mestrinho (acordeom), entre outros.

Amigas desde a década de 1960, quando se tornaram embaixadoras da bossa nova na noite paulistana, as cantoras Claudette Soares e Alaíde Costa se reencontram em dois shows, nos dias 30 e 31/1. No repertório, entram alguns dos sucessos mais solares da bossa, como “O Barquinho” (de Roberto Menescal e Ronaldo Bôscoli) e “Ela É Carioca” (Tom Jobim e Vinicius de Moraes), além de canções mais românticas, como “Ilusão à Toa” (Johnny Alf) e “Morrer de Amor” (de Oscar Castro-Neves e Luvercy Fiorini).

A série de shows do projeto “Bossa 60” termina com o reencontro do saxofonista americano Paul Winter com o violonista e compositor carioca Carlos Lyra, dias 1º, 2 e 3/2. Os dois revisitam o repertório do álbum “The Sound of Ipanema”, que gravaram juntos em 1964, época em que a bossa nova explodiu internacionalmente. Uma histórica parceria que, por sinal, confirma o fato de que a influência inicial do jazz sobre a bossa se tornou recíproca.

Num projeto como esse também não poderia faltar João Gilberto, o hoje recluso cantor e compositor, que sintetizou a essência da bossa nova na batida de seu violão e no seu jeito natural de cantar. Depoimentos de artistas que conviveram com ele, como a cantora Miúcha, o pianista João Donato e os compositores Marcos Valle e Roberto Menescal, estão entre os momentos mais saborosos de “Onde Está Você, João Gilberto?”, filme do franco-suíço Georges Gachot, que já realizou elogiados documentários sobre Maria Bethânia e Nana Caymmi. Exibições nos dias 30/1, 31/1 e 3/2.

Venda de ingressos e outras informações no site do Sesc SP

6º CopaFest: um tributo musical ao maestro Erlon Chaves por Max de Castro

                                                                       O cantor e guitarrista carioca Max de Castro

Protagonista de um episódio polêmico que escancarou o racismo da sociedade brasileira no final da década de 1960, o maestro Erlon Chaves (1933-1974) será homenageado na sexta edição do CopaFest. Dedicado à música instrumental, esse evento reúne seis shows, de quinta a sábado, no salão Cristal do hotel Copacabana Palace, no Rio.

O tributo musical a Erlon Chaves – autor de arranjos gravados por expoentes da bossa nova e da MPB, como Wilson Simonal, Elis Regina, Alaíde Costa e Agostinho dos Santos, entre outros – foi idealizado pelo cantor e compositor Max de Castro. A coincidência de o maestro e líder da Banda Veneno ter morrido, vítima de um enfarte fatal, no mesmo dia em que Max completou dois anos de idade, é só um dos aspectos que o aproximaram do arranjador paulista.

“Ele e meu pai eram muito amigos”, conta Max, filho do cantor Wilson Simonal (1939-2000). “Eu me lembro de uma foto bem grande do Erlon, em nossa casa. Quando eu era pequeno, cheguei a pensar que ele fosse meu tio. Só fui entender a importância dele já na adolescência”, comenta o músico carioca.

Conceituado arranjador e compositor de trilhas sonoras para filmes e novelas de TV, Erlon viu sua carreira de sucesso despencar da noite para o dia, praticamente, durante o regime militar. Sua provocativa apresentação no Festival Internacional da Canção, no Rio, em 1970, quando cantou a debochada “Eu Também Quero Mocotó” (de Jorge Ben), acabou levando-o a ser detido pela polícia e interrogado, sob a acusação de obscenidade.
 
A insinuação sexual da letra da canção era quase uma brincadeira comparada à performance do maestro, que surgiu no palco fantasiado de marajá, acompanhado por 40 músicos e vocalistas. O clímax se deu com a entrada de duas garotas brancas, seminuas, que se esfregavam nele e o beijavam durante a apresentação. Houve até quem visse simulação de sexo oral, o que teria gerado protestos conservadores, incluindo os de algumas esposas de militares.

“Houve racismo, mas também um lado moralista bem típico tanto de ditaduras de direita como de esquerda. Certamente, o que detonou (as reações conservadoras) foi o fato de aquela ousadia ter partido de um homem negro”, comenta Max.

No baile-show que comandará no CopaFest, na noite deste sábado, o cantor e guitarrista vai lembrar a divertida “Eu Também Quero Mocotó”, assim como “Cosa Nostra”, outro sucesso da Banda Veneno, que era comandada por Erlon Chaves (em perfil, na foto acima), um dos precursores da black music com sotaque brasileiro.

“Erlon foi bastante influenciado pela música americana, especialmente pelo soul-jazz”, comenta Max, observando que um dos ídolos musicais do brasileiro era o hoje megaprodutor Quincy Jones. “Os dois têm características em comum na maneira de escrever os arranjos”, aponta.

O cantor e guitarrista diz ainda que não pretende fazer uma reconstituição fiel dos arranjos do maestro, até porque Erlon trabalhou tanto com orquestras e big bands, como com grupos instrumentais de vários formatos. “Será uma homenagem ao maestro, mas vamos tocar a música dele com a minha cara”, avisa.

Max revela também que está finalizando a mixagem de um novo álbum autoral, com lançamento previsto para 2014. “Além desse disco, provavelmente, também vou lançar outro projeto só com minhas parcerias com Bernardo Vilhena”, diz, referindo-se ao poeta e letrista carioca, que também assina a produção do CopaFest.

Entre as atrações desta edição do festival também se destacam, na quinta-feira, o pianista Wagner Tiso com o reativado grupo Som Imaginário e o Duo Elo. Na sexta, apresentam-se o quinteto do trombonista Raul de Souza e o tecladista Tomás Improta, que vai interpretar canções de Dorival Caymmi.

Mais informações sobre o evento, no site do 6º CopaFest.

Erlon Chaves: documentário e musical vão resgatar vida e obra do maestro paulista

                               Erlon Chaves (atrás), acompanhando Wilson Simonal, em programa de TV


O tributo musical de Max de Castro ao maestro Erlon Chaves, no 6º CopaFest, não deve ser um evento isolado. Duas outras produções, focadas na vida e na obra do injustiçado arranjador e compositor paulista, têm planos de estrear em 2014, ano em que vão se completar 40 anos de sua morte.

Depois de dirigir um documentário sobre o violonista e arranjador paranaense Waltel Branco, o cineasta Alessandro Gamo está preparando há cinco anos um documentário sobre Erlon Chaves. Contando com assessoria musical do pianista Laércio de Freitas, Gamo já entrevistou vários artistas que trabalharam com o maestro.

O dramaturgo e crítico paulista Aimar Labaki está escrevendo a segunda versão de um musical para teatro, também baseado na história de Erlon Chaves. “Ele é um artista e personagem público que merece ocupar seu lugar de direito”, considera Labaki.

Veja aqui um teaser do documentário sobre Erlon Chaves:

http://vimeo.com/39054602

Roberto Sion: instrumentista demonstra ser músico completo no CD "12 Canções"

Saxofonista e flautista de destaque na cena do jazz e da música instrumental brasileira, o paulista Roberto Sion tem demonstrado desde a década de 1970, gravando, compondo, escrevendo arranjos ou regendo orquestras, que seu talento não se limita a um único gênero musical.

No álbum “12 Canções Inéditas” (lançamento independente), além de compor todas as faixas com o letrista Maurício Gusmão, Sion exibe também seu pleno domínio do piano. Na gravação da etérea “Valsa de Ivã e Heloísa”, por exemplo, ele não deixa por menos: toca as quatro vozes de um naipe de saxofones, para o criativo arranjo que escreveu.

Do lirismo de “Cena” e “Cantilena” à sátira de “Expresso Executivo”, os cantores Alaíde Costa, Dominguinhos, Filó Machado, Jane Duboc, Maurício Pereira, Tuca Fernandes e Zé Luiz Mazzioti participam como intérpretes (ou instrumentos) adequados para cada canção. Projeto bem realizado por um músico completo.

(resenha publicada no "Guia Folha - Livros, Discos, Filmes", em 15/12/2012)


 

Johnny Alf: pioneiro da bossa nova retorna aos palcos

Nos últimos dois anos, ele se viu privado de um de seus maiores prazeres. Algo que Johnny Alf fazia quase todas as noites desde a década de 50: tocar piano e cantar suas sofisticadas composições, nos melhores palcos e casas noturnas do país.
Refeito da batalha contra um tumor de próstata, o músico e precursor da bossa nova se apresenta hoje e amanhã, no Sesc Vila Mariana, em São Paulo. A seu lado terá três convidados: o saxofonista Idriss Boudrioua e as cantoras Leny Andrade e Alaíde Costa, que interpretam suas canções há décadas.
“Quero continuar minha carreira e voltar a compor”, diz Alf, prestes a completar 80 anos.

Quem sabe de seu pioneirismo na música brasileira achou injusto que você tenha aparecido tão pouco nas comemorações do cinqüentenário da bossa nova. O que pensa sobre isso?
Johnny Alf - Como eu estava meio acamado, não tive a possibilidade de sair muito para tocar. O que pude fazer, eu fiz. Foi legal.

Como foi ficar longe dos palcos?
Alf - Foi difícil, um desespero, mas como era uma questão de saúde, tive de aceitar. Compreendi que era necessário me afastar para poder me recuperar.

Você até se desfez de sua discoteca. Chegou a ficar desiludido com a música?
Alf - Fiz isso porque cansei de ouvir música. Eu era tão viciado em ouvir música que isso até me prejudicava, porque eu até me atrasava para fazer outras coisas. E quando precisava mudar de casa, os discos viravam um problema. Mas ainda tenho tudo que ouvi em minha cabeça.

João Donato disse, no ano passado, que não agüentava mais falar em bossa nova, que gosta mesmo é de jazz. Sua ligação com o jazz também foi forte, não?
Alf - Sempre toquei no meu estilo. O jazz eu usava de vez em quando, mas meu forte mesmo é a música brasileira. Cresci ouvindo rádio, então fui determinado pela música de Custódio Mesquita, Ary Barroso, Caymmi e outros. O jazz eu adquiri porque, quando era jovem, via aqueles filmes americanos que me impregnaram bastante. Tive a idéia de juntar a música brasileira com o jazz. Tento juntar todas [influências] para conseguir um resultado agradável.

Acha que a história da criação da bossa nova está bem contada?
Alf - Eu sempre fiquei à parte. As pessoas estavam lá, mas eu ficava na minha. Acho engraçado quando as pessoas começam a se eleger, mas não porque eu quero reclamar algo para mim. Eu fazia música porque tinha vontade de fazer. Não me ligo nesse negócio de títulos. Toco sem a intenção de reivindicar algo.

Está contente com o crédito musical que recebeu até hoje?
Alf - Fico satisfeito, pelo menos não sou esquecido de todo. Minha música sempre foi considerada difícil. As gravadoras sentiam o valor da minha música, embora não tivesse o apelo comercial que elas gostariam.

É verdade que pensou em trocar seu nome artístico, nos anos 50?
Alf - Adquiri o apelido Johnny Alf quando tocava no Instituto Brasil Estados Unidos, no Rio. Pensei em trocá-lo por Alfredo José, meu nome verdadeiro, quando comecei a tocar na noite. Mas o pessoal já me conhecia por Johnny, até porque eu tocava muito jazz. Valeu a pena.

Chegou a enfrentar preconceito racial ou por ter influências norte-americanas em sua música?
Alf - Isso nunca aconteceu comigo, sempre fui bem recebido. As pessoas que freqüentavam os lugares em que eu tocava também tinham preferência pela música americana.

Você completa 80 anos em maio. Como encara essa idade?
Alf - Estou satisfeito, porque ainda sou bem conhecido e requisitado. Meus discos estão sendo relançados com sucesso. Estou no caminho que sempre desejei.

(entrevista publicada na “Folha de S. Paulo”, em 31/01/2009)