Bossa Nova: o movimento musical é reavaliado por Tárik de Souza em um livro essencial

 

                                            João Gilberto - Foto de Tuca Vieira/Creative Commons  

O título pode sugerir algo um pouco diferente aos desavisados. “João Gilberto e a insurreição bossa nova: outros lados da história”, novo livro de Tárik de Souza, não é uma biografia do lendário cantor e compositor baiano, que surpreendeu os fãs da música popular brasileira, no final dos anos 1950, com uma inovadora batida ao violão e seu canto minimalista, quase falado. Ao mesclar a influência do jazz com o samba, a bossa nova inaugurou a era moderna da canção brasileira. 

Com esse livro que reavalia a história e os personagens da bossa nova, o conceituado crítico musical e jornalista carioca completa uma trilogia sobre o universo do samba, ao destacar aspectos desse espontâneo movimento musical que ainda não haviam sido devidamente abordados. Em 2003, Tárik lançou “Tem mais samba: das raízes à eletrônica” (Editora 34), um panorama do mais popular gênero musical brasileiro. Já em 2016, no livro “Sambalanço, a bossa que dança” (Kuarup), ele dissecou a vertente suingada da bossa nova, que contagiou os salões de dança durante as décadas de 1960 e 1970.

“Este livro é praticamente autobiográfico”, diz o autor, explicando que essa obra resultou de sua intensa relação pessoal e profissional com a bossa nova, desde as primeiras manifestações desse movimento no cenário musical brasileiro. “Eu vivi a bossa nova. Sempre acompanhei tudo, li tudo, fui a todos os shows. E quando me tornei jornalista, entrevistei o pessoal da bossa diversas vezes”, relembra o jornalista.

Lançada pela editora porto-alegrense L&PM, essa extensa e meticulosa obra de 444 páginas é, na definição de Tárik de Souza, “um livro bossa nova sobre a Bossa Nova”. No prefácio, intitulado “João e a Bossa instalaram o Brasil na vanguarda musical do planeta”, o autor avisa que “para abarcar esse movimento disruptivo de forma coerente com seu objeto de estudo, a abordagem do livro também teria que ser ‘bossa nova’ – fora da linearidade das historinhas com princípio, meio e fim”.

Eixo central da narrativa, o protagonista João Gilberto (1931-2019) está presente desde as primeiras páginas do livro. A começar por uma compilação de versos de canções que o homenageiam, assinadas por discípulos e colegas da música popular brasileira, como Caetano Veloso, Gilberto Gil, Chico Buarque, Carlos Lyra, João Bosco, Joyce Moreno, Jards Macalé e Tom Zé, entre outros.  

Já no capítulo final, intitulado “Um cantinho, um banquinho, um violão e a voz acoplada – o legado de um divisor de águas”, Tárik reúne reveladores depoimentos de diversos compositores e intérpretes de nossa música: do vanguardista paranaense Arrigo Barnabé à cantora bossa novista paraense Leila Pinheiro; do mestre baiano Dorival Caymmi à intérprete holandesa Josee Koning, um exemplo da internacionalização da bossa, entre muitos outros. De modo geral, esses artistas relatam como receberam a influência avassaladora de João e as inovações dessa tendência musical.

Para realizar sua análise da obra musical de João Gilberto, Tárik utilizou como bússola o material extraído de uma entrevista exclusiva que fez “com a lenda em pessoa”. Trata-se de uma conversa de quatro horas com João, em maio de 1971, quando o autor trabalhava na revista “Veja”, em São Paulo, na qual o compositor comentou a maneira como selecionava seu repertório e o tratamento que dava às canções. O experiente crítico musical também encara nesse livro a missão de analisar todos os discos gravados por João, faixa a faixa, ao longo de suas seis décadas de sua carreira.   

O capítulo “Inclusão, Diversidade e Pluralismo” rebate um preconceito que persegue a bossa nova há décadas. “Um dos mais rombudos clichês pespegados no invólucro mágico da bossa nova é o de um movimento elitista, privilégio restrito a uma rapaziada branca da zona sul carioca. Mentira deslavada, que este capítulo contesta”, afirma o autor. “O fator determinante tem a ver com a geopolítica da cidade, então mandatária capital federal do país e sua sede cultural, aí incluídas as principais emissoras de rádio e TV, casas de shows, imprensa e gravadoras”.

Dirigindo esse capítulo àqueles que chegaram a atribuir uma conotação racista à bossa nova, Tárik destaca com detalhes as importantes contribuições de diversos artistas negros, como a cantora carioca Alaíde Costa (que só recentemente tem recebido a consagração que já merecia nos anos 1960), o pianista e compositor carioca Johnny Alf (considerado um avançado precursor da bossa), o maestro e compositor pernambucano Moacir Santos, o cantor e compositor carioca Jorge Ben e ainda três instrumentistas e compositores paulistas: o saxofonista e clarinetista Paulo Moura, o pianista e maestro Laércio de Freitas e o pianista e arranjador Dom Salvador, que vive em Nova York desde 1973, mas nos últimos anos vem sendo descoberto pelas gerações mais jovens.    

Só por denunciar preconceitos e rejeitar clichês estabelecidos há décadas na bibliografia que aborda a bossa nova, assim como pela iniciativa de reavaliar importantes contribuições a esse movimento de músicos que foram subestimadas no passado, o livro de Tárik de Souza já seria obrigatório para os fãs dessa vertente musical. É muito mais, é uma leitura essencial para qualquer apreciador da música popular brasileira. Como já definiu e cantou Caetano Veloso, "a bossa nova é foda".

Choraço: projeto do Sesc celebra a diversidade e a grandeza musical do choro

 

                                  O quinteto de choro Izaía e Seus Chorões - Foto: Rafael Veríssimo/Divulgação


Um dos tesouros musicais do Brasil, o choro vai ser celebrado em toda a sua diversidade e grandeza, para o prazer da plateia paulistana. O projeto Choraço ocupa o teatro e outros espaços do Sesc 24 de Maio, de 22/4 a 20/5, com 14 shows de músicos de São Paulo, Rio e Minas Gerais, além de workshops, masterclasses e bate-papos com artistas que cultivam esse gênero musical.

Criado a partir de danças de salão europeias e de elementos da música popular portuguesa, além de influências da música africana, o choro tomou forma na primeira década do século 20, mas sua história remonta a meados do século anterior. Começou como uma maneira emotiva, meio chorosa, de interpretar as melodias – por isso seus praticantes eram chamados de chorões.

A programação do projeto do Sesc 24 de Maio começa com “A História do Choro” – uma audição de clássicos LPs de choro comentados por mestres do gênero em São Paulo: o bandolinista Izaías e seu irmão, o violonista Israel Bueno de Almeida. Os dois voltam a se encontrar no primeiro show do projeto, agendado justamente no Dia Nacional do Choro (23/4, sábado). O veterano grupo paulista Izaías e Seus Chorões interpreta clássicos do gênero, assinados por Ernesto Nazareth e Joaquim Callado, entre outros. Toninho Carrasqueira (flauta), Ricardo Valverde (vibrafone) e Dudah Lopes (piano) participam como convidados.

Já na noite seguinte (24/4, domingo), Isaías e seus parceiros retornam ao palco, com outros convidados especiais: Paulo Bellinati (violão), Silvia Goes (piano) e o quinteto de cordas Quintal Brasileiro. No repertório, choros mais modernos de Jacob do Bandolim, Paulinho da Viola e Tom Jobim, entre outros compositores.

A extensa programação de shows destaca também, dia 28/4 (quinta), o “baile” comandado pelo clarinetista Alexandre Ribeiro, que conta com craques da cena paulistana de choro e samba, como Swami Jr. (violão), Cainã Cavalcante (violão de sete cordas), Henrique Araújo (bandolim e cavaquinho) e Allan Abbadia (trombone), entre outros.

Alguns desses músicos também estarão ao lado do pianista Hércules Gomes, em sua apresentação dedicada à obra da clássica pianista e compositora Tia Amélia (1897-1983), em 29/4. Na noite seguinte, o violonista e arranjador Thiago Delegado comanda um quinteto formado por chorões de Minas Gerais, em improvisos com influências jazzísticas.

Fechando a semana, no feriado de 1.º de Maio, o sexteto carioca Água de Moringa traz um repertório que combina clássicos de Pixinguinha e Radamés Gnattali com composições de chorões de gerações mais recentes, como Paulo Aragão e Jayme Vignolli – com participações da cantora Mariana Baltar e da flautista Andrea Ernest Dias.

Duas homenagens musicais se destacam na semana seguinte. No dia 5/5, o clarinetista Nailor Proveta e um regional de choro relembram a original obra do clarinetista Abel Ferreira (1915-1980). Já no dia 6/5, um quinteto que inclui o pianista Daniel Grajew e o flautista João Poleto homenageia o pianista e compositor Laercio de Freitas, mestre do choro paulista, que também estará presente.

Com uma inflexão feminina, os shows de 7 e 8/5 serão dedicados a cantoras e musicistas do choro – uma alfinetada no fato de o universo do choro ainda ser dominado pelos homens. Intitulada “Choro Amoroso”, a primeira noite destaca as cantoras Adriana Godoy e Bia Goes, com participações especiais da saxofonista Daniela Spielmann e da flautista Cassia Carrascoza. Na noite seguinte, “Choro Atrevido”, as cantoras Maria Alcina e Patricia Bastos serão acompanhadas pela pianista Heloisa Fernandes e pelo grupo As Choronas, entre vários músicos.

Nos dias 12 e 13/5, o quinteto paulistano Chorando as Pitangas apresenta o repertório autoral de seu recém-lançado álbum “Terceira Dose”, com participações especiais do violinista Ricardo Herz e do grupo de percussão vocal Barbatuques.

Finalmente, o lendário Conjunto Época de Ouro encerra o projeto com show calcado no repertório autoral de seu disco mais recente, nos dias 14 e 15/5. Criado em 1964 por Jacob do Bandolim, esse sexteto carioca conta hoje com nova formação. João Camarero (violão de sete cordas), Luís Flavio Alcofra (violão de seis cordas) e Celsinho Silva (pandeiro) se unem a Antônio Rocha (flauta), Jorge Filho (cavaquinho) e Luis Barcelos (bandolim). 

Confira a programação completa do projeto e compre os seus ingressos online, no site do Sesc SP: https://www.sescsp.org.br/projetos/choraco/

Toninho Ferragutti: acordeonista forma quinteto de craques em seu álbum "A Gata Café"

É muito provável que uma enquete organizada entre especialistas, para eleger o acordeonista brasileiro mais completo, termine com a escolha de Toninho Ferragutti. Ao longo de três décadas de carreira, esse eclético músico e compositor paulista já exibiu seu talento em inúmeros shows e gravações, tocando choros, valsas, sambas, ritmos nordestinos e sulistas, jazz e música instrumental, além da música erudita – algo raro entre os acordeonistas de nosso país.

Essa facilidade de transitar por diversos gêneros e estilos musicais, assim como sua técnica apurada sempre posta a serviço da emoção, são evidentes em “A Gata Café” – o décimo álbum de Ferragutti, lançado com o selo de qualidade da gravadora Borandá, com a qual desenvolve antiga parceria. Gravado em São Paulo, em janeiro de 2016, esse projeto reúne 10 composições do acordeonista e arranjador.

Quem conhece a discografia de Ferragutti sabe que durante a última década ele já experimentou diversas formações camerísticas em seus álbuns: o quinteto de cordas de “Nem Sol Nem Lua” (2006); o noneto de “O Sorriso da Manu” (2012); os duos com o acordeonista Bebê Kramer, com o violeiro Neymar Dias ou com o violonista Marco Pereira, respectivamente, em “Como Manda o Figurino” (2011), “Festa na Roça” (2013) e “Comum de Dois” (2014).

Ao planejar o álbum “A Gata Café”, Ferragutti decidiu formar um quinteto de sonoridade mais próxima do jazz. Para isso convidou quatro jovens talentos da cena da música instrumental, com os quais ainda só havia tocado separadamente: o saxofonista Cássio Ferreira, o baterista Cleber Almeida, o baixista Thiago Espírito Santo e o violonista e guitarrista Vinícius Gomes.

“Quando surgiu a oportunidade de gravar, pensei que eles seriam perfeitos para um projeto como esse”, comenta o acordeonista, destacando as qualidades de seus novos parceiros. “São músicos antenados, na faixa dos 30 e poucos anos de idade, que também produzem, compõem e tocam qualquer estilo musical, sem qualquer dificuldade técnica. Aliás, os quatro também desenvolvem trabalhos próprios. Sou fã dessa geração”.

Como os parceiros de seu quinteto, Ferragutti também cresceu ouvindo diversos gêneros musicais. “Por causa do acordeom tive a possibilidade de entrar em contato com um lado mais tradicional da música. Ao mesmo tempo sempre fui interessado por música erudita e jazz”, afirma o paulista nascido na interiorana cidade de Socorro, cuja formação musical foi bem diferente do padrão seguido por outros acordeonistas.

“Só no final da década de 1980 é que eu fui escutar acordeonistas como o Dominguinhos ou o Luiz Gonzaga. Eu ouvia muitos saxofonistas, porque meu pai tocava saxofone”, conta Ferragutti, admitindo que essa experiência bem particular contribuiu para moldar seu estilo ao acordeom. “O saxofone é um instrumento de sopro com palheta de bambu; já a sanfona tem palhetas de aço. A proximidade entre esses dois instrumentos é grande, inclusive no fraseado, no pensamento melódico”, justifica.   
 

                                                          Vinicius (esq. para dir.), Thiago, Cássio, Toninho e Cleber
 
Ferragutti já havia participado de grupos com formações semelhantes à do atual quinteto, quando tocava em gafieiras, na década de 1980. Não à toa, ao definir o repertório de “A Gata Café”, decidiu regravar duas de suas composições daquela época: os contagiantes choros “O Mancebo” (inspirado no álbum “São Paulo no Balanço do Choro”, do pianista Laercio de Freitas) e “Chapéu Palheta”, gravados originalmente no final dos anos 1990.

“Esses choros foram feitos para dançar. São choros sambados, que amadureceram em salões de gafieira”, comenta o acordeonista, ressaltando a marcante influência que recebeu desse gênero musical. “Sempre toquei choro. Gosto de improvisar, mas sem romper a estrutura, mantendo uma linha tênue entre o floreado típico do choro e a improvisação”.

Outra faixa do álbum que remete aos populares salões de dança é o samba-canção “Santa Gafieira”, que Ferragutti compôs por volta de 2007 para o projeto “Panorama do Choro Contemporâneo Paulista”, já com a formação de quinteto em mente. “Essa é uma daquelas músicas lentas que você toca no final da noite, numa gafieira, quando as pessoas já estão indo embora para casa, como uma despedida”, explica.

Também feito por encomenda, o saltitante frevo “Bipolar” foi composto a pedido do saxofonista e maestro pernambucano Spok. O curioso título se deve, segundo Ferragutti, à sua preferência por músicas mais melancólicas. “Para tocar frevo você tem que estar bem alegre, mas, conforme compunha essa música, eu ia ficando triste e escolhia acordes menores. Daí surgiu a ideia do nome da música”, admite, rindo.

O conhecido lirismo de Ferragutti está muito bem representado pela delicada valsa que empresta seu título ao álbum. “A Gata Café” foi inspirada por um episódio real: uma gata à procura de um novo teto, que despertou a atenção do acordeonista e de seus vizinhos, no bairro paulistano de Pompéia, no final de 2015. “Todo mundo tem um lado bonito dentro de si. Esse bicho fez com que a solidariedade das pessoas se manifestasse. Todos na rua deixavam uma cumbuquinha com ração e outra com água para o bicho. Ai ele começou a entrar em minha casa e hoje dorme lá na cama”.

Curiosamente, só depois de algumas semanas, quando já havia composto e batizado a valsa, Ferragutti veio a perceber que a atraente Café era, na verdade, um gato. “Justo eu que cheguei a estudar veterinária por três anos, em Botucatu, antes de me mudar para São Paulo. Acho que faltei na aula sobre gatos”, diverte-se o compositor. “Mesmo que soubesse disso antes, eu não mudaria nada”.

A dançante “Com a Búlgara Atrás da Orelha”, faixa inicial do disco, foi composta para a trilha sonora da montagem teatral de “Como Ter Sexo a Vida Toda com a Mesma Pessoa”, monólogo da argentina Mónica Salvador, adaptado para o Brasil por Odilon Wagner, em 2012. “A ‘búlgara’ do título é uma referência à presidente Dilma, que na época estava com (um índice de) 90% de popularidade”, explica o acordeonista, que se inspirou na tradição musical do Leste Europeu para criar essa música.

Composição que também remete ao universo da música oriental, “Beduína” é uma homenagem de Ferragutti à sua esposa, a artista plástica Cinthia Camargo, cuja família é de origem árabe. Cinthia assina com ele a produção do álbum, além de ser a autora da bela pintura que ilustra a capa do CD “A Gata Café”.

Embora não tenha sido composta originalmente com essa intenção, a faixa “Egberto” também é uma homenagem. “Chamei essa composição de ‘Egberto’, porque ela acabou ficando com a cara dele. É um forrozão diluído, cheio de respirações, de espaçamentos. Assim como o Hermeto Pascoal, o Egberto Gismonti é um pilar da música instrumental brasileira, que continua inspirando muita gente até hoje”, comenta o compositor, reconhecendo essas influências.

Outro destaque do álbum é “Cortejo do Rio do Peixe”, composição que também já estava pronta ao ser batizada por Ferragutti com uma referência ao rio que atravessa sua cidade natal. “Fui criado olhando para esse rio. A bateria tem uma levada de cortejo, que até lembra um maracatu, mas não é. Cleber puxou para algo mais interiorano. Essa simbiose de uma coisa tradicional com outra mais contemporânea me seduz. O acordeom se presta muito a isso”.

Em meio à diversidade que caracteriza a música de Ferragutti também não poderia faltar um tango. “Nem Sol, Nem Lua” – composição gravada originalmente no álbum homônimo, lançado dez anos atrás – ganhou um arranjo mais jazzístico, que abre espaço para criativos solos de Vinicius Gomes (violão), Cassio Ferreira (sax soprano) e do próprio acordeonista.

“Em minhas composições está o extrato do que eu ouço, do que eu gosto de tocar”, afirma Ferragutti, confirmando que já encontrou um caminho próprio na cena musical. “Tem um lado de urbanidade nesse caminho que eu escolhi. Decidi morar em São Paulo para poder tocar música francesa, música italiana, tocar em sinfônica, em grupo de choro, em gafieira ou em banda de rock. Se eu morasse no Nordeste, no Sul ou no Centro-Oeste, minha sonoridade certamente seria diferente”.

Demonstrando muita consciência do que pretende como instrumentista, compositor e arranjador, Ferragutti é um exemplo a ser seguido – não só por acordeonistas – com sua concepção contemporânea, que dialoga com a tradição e diversos gêneros musicais sem se fechar em regionalismos. Tomara que “A Gata Café” seja apenas o primeiro episódio de uma longa história para Ferragutti e seu novo quinteto de craques da música instrumental.

(Texto escrito a convite da gravadora Borandá por ocasião do lançamento do álbum "A Gata Café", de Toninho Ferragutti)

Samba-jazz: projeto reúne veteranos e novos adeptos do gênero em São Paulo

Vertente instrumental da bossa nova, que ainda segue conquistando novos adeptos e fãs meio século após sua criação, o samba-jazz será ouvido e analisado durante as próximas semanas, em São Paulo. O projeto “Samba Jazz + 50” vai reunir músicos de diversas gerações, para shows e bate-papos, de 15/10 (quinta) a 1º/11, no Sesc Campo Limpo.

Conceituados instrumentistas do gênero, como o percussionista João Parahyba e os pianistas Amilton Godoy (ex-Zimbo Trio) e Laércio de Freitas, destacam-se na programação de shows, ao lado de músicos mais jovens que, nos últimos anos, têm se dedicado a atualizar a linguagem do samba-jazz, como o contrabaixista Marcos Paiva e o trombonista Jorginho Neto, além da big band Projeto Coisa Fina.  

Outro destaque na programação do evento é o show “Samba Jazz: a Origem” (no dia 1º/11, domingo), com o reencontro de cinco veteranos músicos que contribuíram para a gênese do samba-jazz, em boates e estúdios de gravação, na década de 1960. São eles os saxofonistas Hector Costita e Carlos Alberto Alcântara, o contrabaixista Gabriel Bahlis, o pianista Luiz Mello e o baterista Zinho. 

Idealizado pelo músico e jornalista Fernando Lichti Barros (autor dos livros “Casé: Como toca esse rapaz!” e “Do Calypso ao Cha-cha-chá: Músicos em São Paulo na Década de 60”), o projeto inclui também quatro didáticos bate-papos conduzidos por Barros e pelo baixista e arranjador Marcos Paiva, que vão utilizar gravações originais para transmitir à plateia um pouco da história e da linguagem musical do samba-jazz. Detalhe importante: todos os eventos do projeto são gratuitos. Confira a programação completa no site do SESC SP: http://www.sescsp.org.br/programacao/68355_SAMBAJAZZ+50#/content=programacao 

Hermeto, Arismar e Nenê: trio leva “dinamite com dinâmica” à Virada Cultural paulistana

Um trio de gigantes da música instrumental brasileira, que poucos tiveram o privilégio de ouvir ao vivo no Brasil, volta a se reunir duas décadas depois. Hermeto Pascoal (piano e teclados), Nenê (bateria) e Arismar do Espírito Santo (baixo elétrico) prometem um histórico concerto na Virada Cultural 2015, à meia-noite deste sábado, no Teatro Municipal de São Paulo.

“Vinte anos depois, o som desse trio pode ser até mais interessante. Hoje estamos mais maduros”, comenta Arismar, em uma entrevista informal a este blog. “Esse trio tem uma pressão diferente. Rola um rock’n’roll com nona”, diverte-se o baixista (na foto abaixo), fazendo referência aos complexos acordes das composições de Hermeto, que o trio tocava nos anos 1990.

Em meio a vários shows da Virada Cultural, que vão reviver repertórios de discos cultuados por fãs da música brasileira – como “São Paulo no Balanço do Choro” (1980), do pianista Laércio de Freitas; “Depois do Fim” (1983), da cantora Jane Duboc e banda Bacamarte; ou “Tamba Tajá” (1976), da cantora Fafá de Belém –, ironicamente, esse trio instrumental não chegou a gravar um disco.  

Formado para uma turnê de 40 shows pela Europa, em 1993, o trio comandado por Hermeto só fez algumas apresentações eventuais pelo país. Por sorte, restou o registro doméstico de uma delas, em Belo Horizonte (MG), em 1995, que pode ser encontrado no YouTube (veja esse vídeo no link abaixo).

Excitado pelo reencontro, Arismar conta que até deixou o piano, o violão e a guitarra um pouco de lado, nas últimas semanas, para voltar a praticar o baixo elétrico. “Também vou levar uma guitarra misteriosa, que parece uma cítara. Se eu sentir que tem espaço, vou usar os dois instrumentos”, promete.

A dois dias do show, Arismar não sabia se Hermeto iria preparar alguma surpresa para o reencontro do trio, mas uma coisa é certa: não haverá ensaio. “Ele só disse pra gente se encontrar uma hora antes da apresentação. Hermeto não gosta de ensaiar, o que é maravilhoso, uma dádiva”.

No repertório, segundo o baixista, devem entrar clássicos da obra do “bruxo” alagoano, como “Bebê” ou “Chorinho Pra Ele”. “Essas músicas são hits. Os moleques de hoje tocam esses temas do Hermeto como se fossem desafios”, comenta, referindo-se ao costume do próprio Hermeto de acelerar ao máximo o andamento dessas composições.  

"Nós tocamos com muita intensidade, inclusive nas baladas. Teve gente que até chegou a chorar, quando tocávamos uma valsa. A gente se entrega mesmo”, observa Arismar.

Como seria de se esperar, no caso de músicos tão criativos, não há qualquer intenção de reviver a música feita pelo trio no passado. “Hoje em dia há outros códigos musicais. O piano do Hermeto está mais lírico, foi para outros lados, tem uma energia única. Dinamite com dinâmica”, define Arismar, com seu habitual humor de músico. “E o Nenê é um monge, que toca uma maravilha de bateria”, conclui.