André Marques: um criativo tributo à obra de Hermeto Pascoal, com Blade e Patitucci

                     Brian Blade (da esq. para a dir.), André Marques e John Patitucci / Foto de divulgação 

Se fizerem uma enquete com jazzistas de diversos países e gerações, perguntando quais músicos brasileiros eles mais admiram, Hermeto Pascoal certamente estará entre os mais lembrados. Não é difícil explicar o porquê dessa preferência. A música do genial multi-instrumentista e compositor alagoano possui tudo que os músicos do jazz valorizam: improvisos com muita liberdade, belas melodias e sofisticação harmônica. Sem falar nos inusitados objetos (de chaleiras e bacias a garrafas e copos) que o “bruxo” costuma transformar em instrumentos musicais.

André Marques – talentoso pianista, compositor e arranjador que integra o grupo de Hermeto há 21 anos, além de liderar o trio Curupira e a orquestra Vintena Brasileira – conferiu pessoalmente o prestígio internacional do mestre, quando fizeram uma turnê pela Europa, em 2013. Ao encontrarem os músicos da cultuada banda do saxofonista Wayne Shorter, André viu o baixista John Patitucci e o baterista Brian Blade reverenciarem Hermeto de uma maneira que só os admiradores mais eufóricos fazem.

Esse encontro casual acabou concretizando uma ideia que André tivera meses antes. Decidido a realizar um extenso projeto dedicado à obra de Hermeto, pensou em inicia-lo com a gravação de um álbum, contando com instrumentistas estrangeiros do primeiro time, que ainda não tivessem tido contato direto com essa música.

“Minha ideia era trazer uma sonoridade diferente para a música do Hermeto. Melhor ainda poder fazer isso com músicos que eu já admirava bastante”, comenta André, que recorreu a Rogério Boccato, percussionista paulista radicado em Nova York, para contatar Patitucci e Blade. Com o convite aceito na hora por ambos, Boccato veio a assumir a produção executiva do álbum.

Fundamental também para que o projeto pudesse se concretizar foi a parceria que André firmou com a Borandá, gravadora paulista responsável pela produção e distribuição do disco. “Logo pensei na Borandá, por conhecer o Fernando Grecco há muitos anos. Ele tocou guitarra comigo, em minha primeira experiência em grupo. Eu tinha apenas 15 anos. Conversamos bastante, conheci a Gisella Gonçalves e assim estabelecemos a parceria para produzir esse CD, o que me deixou muito feliz", conta André. 

As gravações do álbum “Viva Hermeto” foram realizadas em New Jersey, nos Estados Unidos, em novembro de 2014. Como é habitual nos meios do jazz, André e seus novos parceiros não chegaram a se encontrar antes de entrar no estúdio.

“Mandei para eles as partituras e as músicas gravadas no piano. Não houve ensaio. Chegamos no estúdio e gravamos todas as faixas em trio no mesmo dia”, conta André, que gravou as partes de piano solo, no dia seguinte. Uma semana depois já havia mixado e masterizado o disco.

O repertório selecionado combina clássicos da obra do “bruxo”, como “Bebê”, “Chorinho pra Ele” e “Tacho”, com composições que o próprio Hermeto não chegou a gravar. “Escolhi alguns temas bem conhecidos, para que o ouvinte tivesse a referência de uma melodia que já escutara antes e pudesse comparar como ela ficou tocada por esses músicos”, explica André. 

É o caso do baião “O Ovo” (gravado originalmente por Hermeto com o lendário Quarteto Novo, em 1967), que abre o álbum. “Pensei em tocá-lo de uma maneira bem livre, quase que só improvisada. Não teria sentido pedir ao Brian e ao John que o gravassem como um baião tradicional”.

Bem conhecida também é a lírica “Música das Nuvens e do Chão” (lançada por Hermeto no álbum “Cérebro Magnético”, em 1980), que ganha um colorido sonoro diferente graças ao arco que Patitucci usa para tanger as cordas de seu baixo acústico. “Como essa música tem uma parte em (ritmo) 7/4, eu a uni a ‘Capivara’, que também foi composta em 7/4”, comenta André, referindo-se a uma composição encomendada a Hermeto pelo pianista Sergio Mendes, que a gravou em seu álbum “Oceano”, de 1996. 

André também selecionou temas que poucos fãs de Hermeto conhecem, como a romântica “Ramos de Girassol”, que o “bruxo” não chegou a gravar. “Sempre fui apaixonado por essa música. Como a melodia é bem bonita, pensei em um arranjo só com o baixo tocado com arco. Escrevi a melodia uma oitava abaixo, mas o John quis complicar a situação e tocou como sentiu: uma oitava acima, bem no agudo, e num andamento mais lento”, relembra André.

Entre as composições inéditas ou desconhecidas de Hermeto, “Ferragens” soa mais próxima da música contemporânea. “Peguei a partitura e a interpretei à minha maneira. Essa é uma composição toda escrita, notinha por notinha, como uma peça erudita em quatro movimentos curtos”, comenta André, que dá um show de técnica e interpretação, extraindo das cordas do piano, literalmente, sons de ferragens.

 “Na Guaribada da Noite” (tema que Hermeto costumava tocar em shows durante a década de 1980, mas não gravou) surge em arranjo de André para o trio, com destaque para a inventiva condução rítmica de Brian Blade. “Coloquei essa música no disco, pensando nele. Imaginei a bateria bem livre, quebrando tudo”, diz o pianista.

 “Boiada” (registrada por Hermeto no álbum “Eu e Eles”, em 1999) encerra o disco com um andamento frenético, ritmo em 5/4 e uma frase repetida inúmeras vezes pelo contrabaixo que só um instrumentista como John Patitucci poderia executar em um único “take”. “Ele me disse que não queria gravar outra vez, porque se fizesse tudo de novo seu braço poderia cair”, diverte-se André.

Além de ser um criativo e merecidíssimo tributo à obra desse grande mestre da música universal, “Viva Hermeto” prova que André Marques já merece frequentar a cena internacional do jazz, ao lado de outros músicos do quilate de Brian Blade e John Patittucci. Hermeto deve ter ficado orgulhoso ao ver que mais um de seus discípulos está prestes a ser admirado no resto do mundo. 

(Texto escrito a convite da gravadora Borandá, por ocasião do lançamento do álbum "Viva Hermeto") 

José James: o cantor de jazz que não abre mão do soul e do hip hop

Quatro anos atrás, quando veio ao Brasil para se apresentar no festival de jazz de Rio das Ostras (RJ), já anunciado como grande revelação vocal desse gênero na última década, o norte-americano José James surpreendeu quem teve a oportunidade de entrevistá-lo. Meses após o lançamento de seu elogiado álbum “For All We Know”, com releituras de clássicos jazzísticos, ele dizia que não queria mais ser tratado como cantor de jazz.

Os discos que James gravou posteriormente provaram que ele tinha razão ao rejeitar a limitação desse rótulo. “No Beginning no End” (lançado em 2013), com marcantes influências da soul music, do R&B e do hip hop, e “While You Were Sleeping” (2014), de viés mais experimental, confirmam que o jazz é só uma das fontes que alimentam sua contemporânea concepção musical.

“O que eu tenho buscado é me expressar de maneira completa. Jamais aceitei a ideia de que cantar jazz implicaria em deixar o soul ou o hip hop fora de minha música”, reafirma agora o cantor e compositor de 37 anos, em entrevista ao "Valor", dias antes de voltar ao Brasil para apresentações no Mangaratiba Jazz & Blues Festival (dia 24/10, no litoral fluminense) e no Bourbon Street Music Club (dia 27/10, em São Paulo).

Nesses shows, James vai exibir o repertório de seu álbum mais recente, “Yesterday I Had the Blues” (lançamento do selo Blue Note), ainda inédito no Brasil. Trata-se de um tributo musical à cantora Billie Holiday, a maior intérprete do jazz na opinião de muitos críticos e fãs, cujo centenário de nascimento está sendo comemorado neste ano.

“Acho que muita gente se perguntou como andaria minha relação com o jazz, depois que gravei projetos tão diferentes”, diz o intérprete, comentando que a reação das plateias a esse álbum tem sido bastante positivas. “Para meus fãs e apreciadores do jazz em geral, me ouvir cantar com alguns dos melhores músicos de jazz do mundo foi algo realmente especial”, diz, referindo-se a Jason Moran (piano), John Patitucci (contrabaixo) e Eric Harland (bateria), conceituados instrumentistas que o acompanharam nas gravações.

Envolvido com o jazz de Billie Holiday desde a adolescência, no início dos anos 1990, quando também ouvia o rock da banda Nirvana e o hip hop dos grupos De La Soul e A Tribe Called Quest, James não pretende apenas homenagear essa grande cantora, a qual considera sua “professora”. Nos últimos meses, durante a turnê calcada no repertório de Billie, ele tem chamado a atenção de suas plateias no sentido de recuperar a distorcida imagem pública dessa artista.

“Quando as pessoas pensam em Billie Holiday, é muito comum retratá-la como vítima: uma figura muito triste e trágica, uma dependente de drogas que não tinha controle sobre sua vida amorosa, sobre seu dinheiro ou sobre sua carreira profissional. Acho que devemos corrigir essa visão reducionista”, afirma James. “Temos que nos referir a ela como fazemos, por exemplo, com Miles Davis: ela era um gênio, com qualidades admiráveis que extrapolavam até seus incríveis dotes musicais. Acho importante enfatizar, por exemplo, que ela foi uma destemida batalhadora por mudanças e direitos iguais na sociedade americana”.

Em vez de tentar “modernizar” a obra de Billie, algo que outros intérpretes já buscaram em releituras, James preferiu explorar sua ligação emocional com o repertório da cantora. Suas versões para “Good Morning Heartache”, “I Thought About You” e “Body and Soul”, entre outras faixas do álbum, enfatizam os silêncios, o sentimento embutido nas letras. Suas gravações transmitem aquela sensação de sinceridade que identificam as interpretações da própria Billie Holiday.

“Não tentamos ‘recriar’ nada, muito menos estamos dizendo ‘olhe aqui, ouça essa música porque é muito importante’, como se estivéssemos em uma sala de aula”, comenta James. “As canções de Billie parecem ter sido compostas nos dias de hoje. Sua música pode fazer sentido para qualquer pessoa”.

Um dos poucos cantores da cena musical de hoje que frequentam os principais festivais de jazz pelo mundo (assim como os colegas Kurt Elling, Gregory Porter ou Freddy Cole), com seu privilegiado timbre de barítono, James revela humildade ao reconhecer que, de maneira geral, as mulheres costumam estar à frente dos homens, no universo do jazz vocal.

“Cantoras, como Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Sarah Vaughan, Abbey Lincoln ou Carmen McRae, sempre estiveram na vanguarda do canto jazzístico. E essa tendência continua válida nos dias de hoje, com Cassandra Wilson, Dianne Reeves, Gretchen Parlato e Esperanza Spalding, entre outras. Há muitas cantoras realmente talentosas por aí procurando novas direções”, admite o cantor, que vê com simpatia a hegemonia vocal das mulheres. “Até pelo fato de que o jazz tende a ser um ambiente um tanto sexista, onde é difícil para uma mulher se destacar como instrumentista, é importante que as cantoras tenham esse destaque”.

Descendente de afro-panamenhos e irlandeses, James nasceu em Minneapolis. Sua ligação com o hip hop – paralelamente à admiração que já tinha pelo jazz de John Coltrane e pela soul music de Marvin Gaye, dois de seus ídolos – acabou por leva-lo a se mudar, no final dos anos 1990, para a cidade de Nova York, onde tem vivido na área do Brooklyn.

Se, alguns anos atrás, a diversidade de seu repertório ainda confundia parte do público e da crítica, hoje James considera que sua personalidade musical tem sido melhor compreendida. “Acho que as pessoas já começaram a entender que eu faço um pouco de tudo em meus shows. Mesmo nestes concertos dedicados a Billie Holiday, eu acho importante cantar algumas de minhas músicas”, observa o cantor, que também estará bem acompanhado, nesta temporada, pelo argentino Leo Genovese (piano acústico e elétrico) e pelos norte-americanos Nate Smith (bateria) e Solomon Dorsey (baixo).

Acostumado a idealizar com antecedência seus álbuns, James já tem um novo projeto em mente. “Estou planejando um álbum duplo que incorpora samples de gravações da Blue Note, realizadas nos anos 1970, por músicos de jazz como Donald Byrd e Eddie Henderson”, revela.

O contrato com um lendário selo de jazz, assim como a boa repercussão de seus discos, já teriam feito James concluir que encontrou seu caminho musical? “Sim e não”, ele responde. “Sinto que já sou bem aceito e respeitado internacionalmente. Por outro lado, ainda me sinto faminto. Quero tentar novas coisas e atingir mais gente. Vejo minha carreira, minha busca pela expressão individual, como uma jornada para a vida inteira”.

(Entrevista publicada no jornal "Valor Econômico", na edição de 23/10/2015)

Jazz al Parque: festival de Bogotá merece figurar nos destinos de fãs desse gênero

Quando se vê uma plateia jovem, inclusive muitos adolescentes, disputando os lugares mais próximos de um palco para ouvir de perto o refinado jazz do quarteto do saxofonista Wayne Shorter (na foto abaixo), logo se percebe que a cidade de Bogotá já está colhendo frutos de seu trabalho, nas últimas décadas, no sentido de ampliar a cultura musical de seus habitantes.

Essa foi apenas uma das surpresas que tive ao acompanhar o festival Jazz al Parque, durante o final de semana, na capital colombiana. Organizada pelo Instituto Distrital de las Artes, a 20ª edição do evento não economizou em atrações internacionais e locais. O festival ofereceu 16 concertos gratuitos, no palco instalado no belo parque El Country. Tanto no sábado como no domingo, quem chegou a partir do meio-dia pôde apreciar oito horas de música de muito boa qualidade. No mesmo espaço também havia uma mostra de livros de editoras independentes e uma pequena feira gastronômica.  

As surpresas começaram já com as primeiras apresentações de grupos locais. O “latin jazz” do quarteto do pianista Rodolfo Martinez, o lirismo do guitarrista William Pérez e os improvisos do trio do pianista Orcaryvan Garzón – todos bastante profissionais – mostraram que a organização do festival acertou ao realizar um concurso para a seleção dos artistas nacionais. Um recurso, aliás, que tem sido utilizado com sucesso por festivais brasileiros, como o mineiro Savassi Festival e o fluminense Rio das Ostras Jazz & Blues.

Outros grupos locais, que também tocaram no sábado, mostraram que têm qualidade para se apresentarem em qualquer festival de jazz pelo mundo. O septeto do saxofonista Ricardo Narvaez destaca um naipe de quatro sopros, formado por experientes solistas. Assim como estes chegaram a arrancar gritos da plateia estimulada por seus arranjos e improvisos, algo semelhante se ouviu durante o contagiante concerto da Big Band Bogotá, regida pelo maestro Ricardo Jaramillo. Não é comum se ver uma plateia jovem vibrar com as dinâmicas sonoras de um arranjo para big band.  

Como já era esperado, o quarteto do percussionista e vocalista cubano Pedrito Martinez (à direita, na foto ao lado) tinha na plateia um fã-clube ansioso por ouvir e dançar com suas rumbas e outros ritmos afro-cubanos. O baile começou nos extremos da plateia, onde vários casais exibiam seus passos e meneios. A dança também se estendeu ao palco, assim que o percussionista convidou algumas garotas da plateia a mostrarem seus requebros para todos. Não bastasse o apelo rítmico de seu repertório, Martinez e seus parceiros tocam com uma alegria contagiante.

Outra atração estrangeira que agradou bastante à plateia, no sábado, veio da Inglaterra. “Meu nome é Courtney Pine e eu amo jazz”, fez questão de dizer o saxofonista britânico, como se apresentasse um cartão de visitas. Porém, mesmo tendo sido o músico que mais tocou clássicos do jazz em todo o festival -- como “Summertime” (de Gershwin), “Take Five” (Paul Desmond) e “Moanin’” (Bobby Timmons) -– Pine já não os interpreta, propriamente, como jazz. Em suas releituras, esses clássicos são embalados por dançantes ritmos caribenhos, que contagiaram grande parte da plateia. Já para quem, como eu, acompanhou o jazz intenso dos primeiros anos da carreira de Pine (na foto abaixo), ainda na década de 1980, foi um tanto decepcionante constatar que hoje seu show é uma espécie de “fast food” musical. Aliás, o fato de Pine já não tocar mais o sax tenor (trocado pelo EWI, uma espécie de sintetizador em forma de sax soprano) é lamentável.

Por outro lado, se houve algum artista do elenco do Jazz al Parque que parece ter frustrado as expectativas de boa parte do público, essa foi a baixista e cantora norte-americana Esperanza Spalding (na foto abaixo). A euforia da plateia foi grande ao recebe-la, mas a cada nova canção do show os aplausos foram esfriando. Apoiado em figurinos afetados e vários clichês teatrais, "Emily's D+More Evolution", o novo projeto de Esperanza soa artificial. É como se ela quisesse brincar de popstar, cantando canções de essência pop, acompanhada por uma banda tipicamente roqueira. Um evidente engano artístico que, espera-se, ela saiba reconhecer.

O anticlímax provocado pelo show de Esperanza não se repetiu, felizmente, no domingo. Quem encerrou a programação da última noite foi o sensacional quarteto de Wayne Shorter, com o pianista Danilo Perez, o baixista John Patitucci (na foto abaixo) e a baterista Terri Lynn Carrington (que substituiu Brian Blade). Vestidos com roupas pesadas, como se tivessem saído do Polo Norte, os quatro jazzistas logo contribuíram para elevar bastante a temperatura, no palco e na plateia. Sem tocar temas do passado, Shorter e seus parceiros fizeram uma exibição de improvisação livre e coletiva, que arrancou gritos excitados do público, em vários momentos. Difícil pensar em outra atração melhor para fechar um festival de jazz. 

O programa de domingo contou com outras atrações bastante aplaudidas. É provável que poucos na plateia conhecessem Henry Butler (na foto abaixo), versátil pianista e cantor de New Orleans, EUA, assim como o trompetista e arranjador Steven Bernstein, seu parceiro no delicioso álbum “Viper’s Drag”, lançado no ano passado. Com humor, muito swing e a experiência da banda nova-iorquina The Hot 9, Butler e Bernstein transportaram a plateia para os velhos tempos do jazz dos anos 1920 e 1930. E ela não só se divertiu, como dançou muito.

Bom humor também não falta à banda polonesa Pink Freud, cujo fã-clube local estava presente e demonstrou conhecer bem seu repertório. Com 17 anos de estrada, esse irreverente quarteto de Gdansk tem uma formação inusitada (trompete, sax barítono, baixo elétrico e bateria) e utiliza muita improvisação em suas composições. Mas chamar de jazz o rock instrumental do Pink Freud, como fazem alguns, é forçar a barra. 

Entre as atrações locais do domingo, o grupo La Casa (herdeiro do Coletivo Colômbia), liderado pelo saxofonista e maestro Antonio Arnedo, mostrou com talento particular como se pode criar uma música instrumental, bem próxima do jazz, a partir da tradição musical colombiana. Por sinal, ao final do concerto, Arnedo recebeu uma justa e formal homenagem por suas contribuições à música de seu país.

Outro grupo local que estabelece um saboroso diálogo entre a linguagem do jazz e a música colombiana, o J.I.C. Jazz Ensamble é um noneto com cinco instrumentos de sopro e seção rítmica. Nos originais arranjos do grupo, com boas doses de improvisação, também há espaço para incursões pelo funk norte-americano. O elenco de atrações locais incluiu ainda a cantora Catalina Gonzalez e os grupos Real Charanga e Camilo Vasquez y sus 3 Butacas.

Também me surpreendi ao ver, durante a troca de equipamentos entre um concerto e outro, algo que é difícil imaginar acontecendo no Brasil: um poeta, vencedor de um concurso literário, declamou seus poemas, ouvido com atenção pela plateia. O mesmo respeito foi dedicado a um escritor argentino, que leu durante quase dez minutos um conto de sua autoria. Uma experiência semelhante realizada em um festival de música, no Brasil, teria grandes chances de terminar em vaias.

Ao ver uma iniciativa como essa, que revela o sucesso dos esforços dos colombianos no sentido de incrementar a educação e a cultura em seu país, lembrei de um slogan utilizado por órgãos locais de turismo, que ouvi algumas vezes nos últimos dias –- algo como “Bogotá vai surpreender você”. Sou daqueles que costumam receber campanhas publicitárias com certa desconfiança, mas neste caso tenho que reconhecer: tanto a cidade de Bogotá como seu Jazz al Parque –- um festival de formato original e programação de alta qualidade -– me surpreenderam diversas vezes. E da maneira mais positiva. 

(A cobertura desse festival foi realizada a convite do Instituto Distrital de Turismo de Bogotá)

Billie Holiday: centenário da cantora inspira Cassandra Wilson e José James

Muitos fãs de Billie Holiday nem imaginam que, ao morrer com apenas 44 anos, a mais cultuada cantora do jazz quase não era ouvida nas rádios norte-americanas. Até seus poucos discos em catálogo eram difíceis de encontrar.

Sua morte, em 17 de julho de 1959, ocorreu em condições revoltantes. Internada em um hospital de Nova York, para tratar de problemas no coração e no fígado, ela passou seus últimos dias algemada na cama, vigiada por policiais, após receber ordem de prisão por porte de heroína.

A trágica história de Billie Holiday se tornou uma lenda similar às de outros astros musicais mortos prematuramente, como Charlie Parker, Jimi Hendrix ou Amy Winehouse. Mas é bem provável que suas gravações não tivessem causado tamanho impacto sobre as gerações posteriores, se não transmitissem tanta sinceridade.

Lançada agora por ocasião do centenário de nascimento dessa grande intérprete, a compilação “God Bless the Child” (lançamento Verve/Universal) pode servir de introdução à sua obra. Entre as 14 faixas, gravadas nos anos 1940 e 1950, canções e blues como “My Man”, “Stormy Wheater” ou “I Don’t Want to Cry Anymore” mostram que Billie cantava o que vivia e sentia. 

Seu carisma fica mais evidente ainda na faixa final, “Strange Fruit”, gravada num concerto em Los Angeles, em 1946. Item essencial de seu repertório, a dramática canção de Lewis Allan (cujos versos remetem aos enforcamentos de negros no sul dos EUA) tornou-se símbolo da luta contra o racismo.

“Strange Fruit” também está presente em álbuns recém-lançados por Cassandra Wilson e José James – brilhantes intérpretes da cena atual do jazz. Ambos rendem homenagens à cantora que os influenciou.

“Tenho certeza de que ela não iria querer ouvir alguém cantar uma canção do mesmo modo que ela fez em 1941 ou 51”, afirma Cassandra, no encarte do álbum “Coming Forth by Day” (lançamento Legacy/Sony), justificando sua intenção de “trazer Billie para um novo dia, e dar à (sua) música uma expressão de século 21”.

Para isso, convocou o produtor pop Nick Launey, conhecido por trabalhos com Nick Cave e Arcade Fire. Recheados de cordas, os arranjos do álbum trazem sonoridades incomuns no universo do jazz moderno: como o banjo de Kevin Breit, na lenta versão de “The Way You Look Tonight”; ou o violino de Eric Gorfain, em “I’ll Be Seeing You”. 

Se Cassandra aproxima Billie da música pop, José James prefere adotar uma sonoridade bem jazzística, em seu álbum “Yesterday I Had the Blues” (lançamento Blue Note/Universal, ainda sem edição brasileira), contando com um trio de feras do gênero: Jason Moran (piano), John Patitucci (baixo acústico) e Eric Harland (bateria).

Intimistas, as versões de James para “Good Morning Heartache”, “Body and Soul” e “Tenderly”, entre outras, enfatizam os silêncios, o sentimento. Mais ainda: transmitem aquela sensação de sinceridade que sempre marcaram as interpretações de Billie Holiday.

Ao final da audição dessas homenagens tão diferentes, fica no ar a velha questão que deveria afligir qualquer um que se aventura num projeto de releituras: até onde se pode chegar sem descaracterizar a obra original?

(Resenha publicada no "Guia Folha - Livros, Discos, Filmes", edição de 25/7/2015)